ECOS DE R'LYEH

PLUTONIUM - Devilmentertainment Non-Stop (2011)

2012-01-26T16:54:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Quien diga que corren malos tiempos para la música o es ciego o confunde el cadáver putrefacto de la industria con el estado de salud de un arte que, al menos en lo que toca al metal underground, no podría gozar de unas constantes vitales más plenas y vigorosas. Un claro ejemplo de ello es el reciente disco de Nahrayan o esta maravilla que me llegó hace unos días a mi cubil de ignominiosa perdición. Plutonium es una banda sueca nacida en 2003 para dar forma a las inquietudes creativas de J.Carlsson. En 2004 editan la demo Wind Of Change, que les abre las puertas para fichar por la ahora extinta Khaoz Star Records y sacar su LP de debut One Size Fits All. Diferencias entre los miembros de Plutonium hacen que J. Carlsson continúe la travesía en solitario, y sin que ello suponga ningún freno a los planes de futuro de la banda, comienza a componer nuevo material para su siguiente LP. Devilentertainment Non-Stop queda grabado en 2009, pero diferentes problemas con varios sellos hacen que su edición se demore, hasta que en 2011 J.Carlsson decide sacarlo de manera autoeditada. Toda una bendición, porque de lo contrario se nos habría privado de un álbum realmente sorprendente.

Y es que aunque su Black Metal Industrial a priori no inventa la rueda, al mismo tiempo juega sus cartas de tal forma que acaba conformando una mano ganadora y muy especial. Uno de los grandes triunfos del álbum es la grandiosa utilización de la electrónica, omnipresente durante los 9 temas que lo conforman y que operan tanto de catalizadores de la rítmica industrial como de genial apoyo a unos pasajes atmosféricos realmente evocadores. Si a ello le sumamos unas guitarras repletas de efectos y cuyas frecuencias van desde el sonido más crujiente a la distorsión pasando por los característicos calambrazos blackers, pues nos encontramos con que Devilmentertainment Non-Stop es una de las obras más versátiles que un servidor haya escuchado en todo 2011 en lo que a metal extremo se refiere. Y es que muy pocas bandas hoy día pueden comprimir en una misma propuesta misiles de black metal tradicional como la inicial A Tribute To The Tools Of The Cosmic Abortionist, cortes de oscuras ambientaciones como Peace Keeper y Dedt Döda Exemplets Makt o recordar a los mejores Satyricon en la muy black'n roll The Misery King. Todo ello sin mencionar todavía los verdaderos puntos álgidos del disco a opinión de un humilde servidor, como el corte que da título al álbum. Una puñetera maravilla que obra una alquimia fascinante entre la frialdad eléctrica del black metal, la electrónica más machacona y unas voces que llegan a transitar la guturalidad del death para devenir en una puñetera incitación a dejarte las cervicales en su escucha. Zero Swarm es otro tema que alcanza la excelencia, merced a un comienzo que coquetea con sonoridades sinfónicas como preámbulo a una patada en la boca en forma de auténtico hit malsano. Y para cerrar, los casi 8 minutos de la tremenda Hell Is All Around, toda una síntesis de las virtudes de J.Carlsson en forma de desquiciada mixtura de brutalidad, épica y enfermizas ambientaciones. Bajada de telón perfecta para un disco espectacular, original y arriesgado.

Enorme sorpresa, diría que de las mayores que han explotado en 2011. Y no tanto por el desconocimiento de la banda sino por una propuesta que combina una variedad de ideas abrumadora con la redondez nacida del talento compositivo. Muy grande!

NOTA: 8,75/10

INFORMACIÓN/CONTACTO/COMPRA DEL CD:

plutonium_platoon@hotmail.com

SLINT - Spiderland (1991)

2012-01-23T23:34:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Aunque 2012 no podía haber empezado peor, con negros nubarrones de censura oscureciendo la red y los internautas en pie de guerra, un servidor regresa aportando su granito de arena para intentar que algún rayo de luz atraviese el cielo encapotado. Y a través de esta plataforma que es Ecos de R'Lyeh lo haré inaugurando una nueva sección: REBOBINANDO... En ella comentaré esos discos que han entrado en la categoría de "clásicos", intentando no caer en las obviedades y sacar a la luz trabajos no tan conocidos pero en mi opinión igual de importantes que los grandes nombres que aparecen en la mayoría de publicaciones. En última instancia me dejaré llevar por mis instintos, como generalmente suelo hacer, y esperar que conecten con los de los que visitáis mi humilde morada. Si despierto vuestra nostalgia, genial, y si sirve para que descubráis bandas de las que no teníais conocimiento, pues mucho mejor. Bienvenidos a esta pequeña máquina del tiempo.

Corría 1991... Slint ya había avisado de sus intenciones con el irregular Tweez dos años antes, un disco producido por Steve Albini y que aunque adolecía de claridad de ideas y cohesión, apuntaba el carácter rompedor de una banda que no estaba hecha para amoldarse a ninguna etiqueta. Provenientes de las cenizas de Squirrel Bait, banda crucial en el devenir del post-hardcore (y de los que seguro hablaré en esta sección otro día), el cuarteto de Kentucky compensaba su edad (eran estudiantes todavía) con una visión de la música que aún a día de hoy, 21 años después, sigue sonando rompedora y visionaria. La grabación de Spiderland no contó con Steve Albini como productor (para la ocasión eligieron a Brian Paulson, amigo de Albini y que posteriormente produciría a bandas como Wilco, Dinosaur Jr. o Beck), pero sí como un defensor acérrimo de un trabajo que en su día recibió críticas negativas fruto de la incomprensión más absoluta, aunque habría que decir que en general Spiderland pasó desapercibido en un año espectacular en el que los focos apuntaban hacia el Black Album de Metallica, los faraónicos Use Your Illusion de Guns'n Roses, el Blood Sugar Sex Magic de Red Hot Chili Peppers o la explosión del grunge con trabajos como Nevermind, Ten o Badmotorfinger. No se equivocaba Albini, porque con el paso del tiempo, aunque Spiderland no haya gozado del éxito de los discos anteriormente citados, sí supuso la primera piedra en un género aún por nacer, el post-rock, y uno de los discos más influyentes de la década de los 90.

Eso sí, si estás esperando un trabajo de luminosas evocaciones y sensaciones cinematográficas, de grandilocuencia, te vas a llevar toda una sorpresa, y no de las agradables. Porque Spiderland no va en la línea de los posteriores desarrolladores del género, compuesto por músicos de refinada técnica y elegancia, sino que es una criatura primaria, oscura y, por momentos, violenta. Podría decirse que el cuarteto es más el padre filosófico de la criatura que el biológico. Demostraron que se podía ir más allá, que no era necesario aferrarse a los esquemas preestablecidos, y que eso de que todo estaba inventado era el recurso de los cobardes o los poco dotados. En lo estrictamente musical Slint ocupaban un lugar a medio camino entre el post-hardcore de Fugazi (que ese año publicaba el genial y también incomprendido Steady Diet For Nothing) y un rock progresivo tremendamente personal y vanguardista que hacía del ascetismo su mayor seña de identidad. Imagínate a Pink Floyd desprovistos de grandilocuencia, de su clase y su técnica y obligados a convertirse en una bestia movida por los instintos de sus entrañas, y te harás una idea de por dónde van los tiros. Spiderland era una obra arisca, incómoda y oscura, pero que golpeaba en el estómago con una fuerza incomparable, agarrando el alma del oyente y hundiéndola en un océano infinito, si, pero de brea. Obviando cualquier regla mínima de composición, el álbum es un maelstrom de ritmos primarios, casi desnudos, llenos de susurros, distorsión y aparentes viajes a ninguna parte, pero que cuando nos olvidamos de la razón, respiramos y nos abandonamos a nuestras sensaciones más descarnadas, deviene en una experiencia única, transgresora y que hace gala de una belleza que aunque grotesca y golpeada, pone los pelos de punta. La tensión entre los miebros de la banda (se dice que alguno de ellos acabó en el psiquiátrico para recuperarse del proceso de composición) llegó a unos niveles tan altos que se grabaron a fuego en Spiderland, imprimiéndole una sensación de calma tensa, de violencia a punto de desatarse muy palpable a lo largo de los 6 cortes que lo componían. Por eso no fue de extrañar que al poco de grabar el álbum, y como ocurrió con Squirrel Bait, la banda decidiera separarse, encarnando a la perfección esa visión de la evolución y el cambio como un proceso violento, desgarrador y convulso capaz de consumir las energías mas poderosas.

Spiderland fue una explosión y un nacimiento, un callejón sin salida y una profecía, una tormenta que vaticinaba mil días soleados. Todo un logro para algo que fue grabado en cuatro días, y que años más tarde provocaría reverencias entre discípulos como Mogwai, Isis o Tortoise. Termino citando la valoración más visceral que en su día hizo Albini en la revista Melody Maker: "Ten fucking stars". Pues eso.

CIERRAN MEGAUPLOAD: Cthulhu está muy, pero que muy enfadado.

2012-01-20T01:25:00.000+01:00

He colgado mi opinión al respecto en El Desván de Cthulhu, mi otro blog y el gran afectado puesto que todo lo colgado allí estaba en ese servidor. No es muy largo, y a quien le interese saber lo que pienso, pues puede ojearlo. A quien no le interese, pues informo que todos los archivos están ya subiéndose y los iré colgando en cuanto se completen. Un indignado saludo!

PINCHA AQUÍ PARA IR A EL DESVÁN DE CTHULHU

MOKSHA - Sang De Roure (2011)

2012-01-17T00:44:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Tal como se lo había prometido al gran Alexcore, que Satanás me lo cuide bien, aquí va mi reseña de este arma de destrucción masiva surgida de los más bajos fondos de Sant Celoni (en los Països Catalans, para los que no vivís en el Estado español o estudiáis la LOGSE). Sexto trabajo ya de una de las bandas más grandes e injustamente ignoradas del panorama metálico estatal. Un hecho que por lo leído en las entrevistas no les podía importar menos a Funu (voz), Ivan Ruiz (guitarra, voz), Dani Bude (bajo) y Narcís Prat (batería), contentos por seguir destruyendo cerebelos con su death'n roll salvaje, pasarlo en grande y haber podido compartir tablas con gigantes de la talla de Converge, Napalm Death, Cult Of Luna, Entombed o Dying Fetus. Si no los conocías, corre ahora mismo a por su discografía, porque LP's de la talla de su descomunal debut Antaryâmin (2002), The Five Leafs Of Oblivion (2003) o Moksha (2008) no los vas a encontrar en ninguna banda foránea de leñadores tatuados. Y por supuesto abraza el músculo poderoso de Sang De Roure, en mi opinión su mejor trabajo hasta la fecha y uno de los mejores trabajos metálicos de 2011, otro álbum que de haber tenido tiempo para catarlo en toda su plenitud, hubiera podido entrar en mi Top 25 ( que habría tenido que ser un Top 30 por lo menos,jajajaja).

Porque los 10 misiles termonucleares que componen este disco conforman uno de los ataques terroristas más devastadores del recién fenecido año 2011. Dando una vuelta de sonido (bastante lógica y acertada, por cierto) a su death'n roll gordo y poderoso, los catalanes le han imbuido de una velocidad y bestialidad que les acerca más a formaciones como Converge y Napalm Death que a Entombed. Tal ha sido la dimensión de esta nueva declaración de principios que Sang De Roure podría perfectamente ser calificado como un disco de crust o sludge, incluso del hardcore más bestia (léase propuestas en la línea de angelitos como Integrity), aunque la robustez de los riffs y ciertas líneas sonoras sigan señalando las raíces del cuarteto. Como os imaginaréis no estamos ante un trabajo en el que se impongan los matices; ésto es granito puro y duro, cemento compactado para resistir el ataque de cien naciones imperialistas, odio tan sólido que se siente dolorosamente físico. Eso sí, por debajo de una propuesta aparentemente simplista se esconden una pericia y despliegue técnico no al alcance de cualquier aspirante a quebrantahuesos. Pégale una escucha a esputos como Cavalgant A La Corda Fluixa o El Sot e intenta ejecutarlos en casa, y me cuentas. Precisamente ese es uno de los grandes aciertos de Sang De Roure, conseguir que sus complicadas ejecuciones suenen como una pared de ladrillos al encuentro de tu cara, algo de lo que saben mucho los ya citados Converge y que Moksha ejercitan con una naturalidad pasmosa. No contentos con el sobresaliente el cuarteto ha ido un paso más allá en busca de la excelencia, cabalgando a lomos de auténticos hits como L'Antidot, mi tema preferido del disco y que es lo más parecido a ser sodomizado por un hipopótamo hasta el ojete de Viagra, cortesía de un Funu cuya voz sigue sonando como la de un troll de las cavernas enfadado y con la garganta rasposa por mil porros. Sodomía inclemente que en cortes como Esgarriat o Corre I Caure I Caure I Recaure encima se revisten de melodías, susurros de amor en tu cogote en mitad de una vejación carcelaria. Poco más puedo añadirle a un disco soberbio, con un sonido espectacular cortesía de Santi y Victor García de los estudios Ultramarinos, y que me hacen replantearme una posible visita a Sant Celoni, paraje que desde ahora hace aflorar en mi mente la peligrosidad de las calles de Brooklyn mezclada con la opresiva atmósfera de los pantanos de Nueva Orleans.

Otra victoria aplastante para Moksha y aunque sigamos siendo cuatro los adoradores de su maligno culto, tened bien seguro que defenderemos con fanatismo malsano hasta el último de sus riffs ciclópeos. De nuevo las fronteras estatales se les quedan pequeñas al cuarteto, porque Sang De Roure es sin duda uno de los mejores discos de metal internacional de 2011. A sus pies.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

MYSPACE

MOKSHA - ESGARRIAT from WAAAU.TV on Vimeo.

AZARATH - Blasphemer's Malediction (2011)

2012-01-15T21:30:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Domingos, días grises asociados a dolores de cabeza y postraciones en el sofá, consumiendo el tiempo entre la insulsa programación televisiva e inútiles ejercicios de memoria intentando recordar lo acontecido la noche anterior. Para ayudar un poquito en hacer más insufribles los efectos de la resaca, vuestro buen amigo Cthulhu (siempre velando por vuestro bienestar) os trae hoy uno de los ejercicios metálicos más grandiosos del pasado año 2011. Un disco que no entró en mi Top 25 porque lo descubrí demasiado tarde como para que me diera tiempo a desgranar en mi cabeza todas sus inmundas virtudes. Me hace especial ilusión reseñar este álbum porque considero a Azarath una de las bandas más injustamente ignoradas dentro de la escena death metalera. Es muy duro ser polaco y vivir a la sombra de unos titanes como Behemoth, a pesar de llevar desde 1998 pariendo auténticas obras de destrucción auditiva. Sin copar tantas portadas como sus compatriotas, hay que dejar bien claro que trabajos como Demon Seed (2001), Infernal Blasting (2003) o Diabolic Impious Devil (2006) no tienen absolutamente nada que desmerecer al lado de álbumes del renombre de Zos Zia Cultus o Satanica. Si compartes conmigo la idea de que tras Demigod nuestros amigos de Behemoth dejaron a un lado su bestialidad desmedida (aunque su actual propuesta es más que disfrutable, ojo) y echas de menos los buenos viejos tiempos en los que seccionaban cabezas con un blackenead death metal de otro plano material, prepárate para gozar como un hereje nauseabundo, porque Blasphemer's Malediction es precisamente lo que ofrece, cortesía de este cuarteto en el que milita el batería de los citados Behemoth, el gran Inferno.

Es difícil escribir sobre la grandeza de este disco, principalmente porque se antoja muy complicado estarse quieto y teclear cuando todas las impías notas de Blasphemer's Malediction me incitan a hacer headbanging salvaje e intentar imitar con patéticos resultados la abrumadora exhibición de salvajismo de Inferno aporreando los parches. Estamos ante un trabajo que no te va a brindar ni un solo segundo de respiro, y que con la quinta siempre metida pasará sobre tu patético cuerpo como toda una brigada de demolición hasta el culo de anfetaminas y anabolizantes. Los riffs asesinos cortesía de Necrosodom y Bart son de una precisión y contundencia demoledoras, reminiscentes de los mejores Morbid Angel pero beneficiados de una producción moderna que los dota de una pegada para la que no hay defensa posible, y que son lo más cercano a ser diseccionado vivo por el mejor cirujano del mundo. Con machetes roñosos por herramientas. La batería de Inferno nos retrotrae a la época gloriosa de Behemoth, y la absoluta bestialidad asesina que despliegan sus constantes blast-beats y aporreos frenéticos pueden echar abajo las vigas maestras de tu bloque de viviendas sin despeinarse. Es un puto placer tenerle de vuelta con su hiperactividad homicida, siendo uno de los grandes triunfadores de un álbum lleno de victorias aplastantes. Si a todo ello le sumamos los innombrables alaridos blasfemos de Necrosodom, que alcanzan cotas de verdadera invocación maléfica en cortes como Under The Will Of The Lord, pues tenemos un cóctel perfecto con el que acudir al próximo bautizo de un familiar. La compenetración y técnica ultramundana del disco juegan en una sóla dirección, doblegarte por el puro efecto de la brutalidad más directa, mientras que una vez recuperado del primer embate comenzarás a caer seducido por los múltiples matices que se esconden tras la primera oleada de dolor. Un gran ejemplo de ello es la tremebunda Behold The Satan's Sword, que tras un comienzo demoledor, inmisericorde y cruel, acaba mostrando unas melodías de guitarra que evocan el folklore musical de Oriente Medio y te harán sentir la ira de desconocidos dioses perdidos en la memoria de nuestra civilización. Cortes como Crushing Hammer Of The Antichrist (los títulos de las canciones no tienen desperdicio!) y su colección de solos de otro planeta es lo más parecido a una estampida de gorilas con navajas en vez de manos, y para esa altura del álbum ya serás un siervo más del culto de Azarath. No contentos con todo esto el cuarteto polaco introduce toda una serie de guiños a otros subgéneros, como el marchar poderoso y muy death'n roll de la mastodóntica Harvester Of Flames o la grandiosa Supreme Reign Of Tiamat, que haría cagarse de miedo a los mismísimos Melechesh ante la verdadera visión de la monstruosa diosa babilónica. Sinceramente no puedo ponerle ninguna pega a un disco espectacular, bestia y cruel como es Blasphemer's Malediction, uno de los mejores álbumes de death metal de 2011, y que espero que ayude a mejorar el estatus de una banda que por calidad siempre ha jugado en la liga de los grandes.

El entorchado asesino de Behemoth tiene nuevos paladines en las manos de este infame cuarteto polaco, que con Blasphemer's Malediction se han cascado una obra demoledora del mejor blackenead death metal que puedas echarte a la cara. Mis cuernos y pentáculos están ya a su entera disposición.

NOTA: 9,75/10

BUY IT!!!

OFFICIAL HOMEPAGE

Desván de Cthulhu: JOY DIVISION de Grant Gee (2007)

2012-01-13T23:54:00.002+01:00

(click en la portada para ir al blog)

Aunque mi blog de variedades no se centra en la música, su apartado de documentales si lo está (al menos de momento), por lo que me parece interesante informar en ECOS DE R´LYEH cuando subo un trabajo que toque este campo. El último que he subido ha sido el maravilloso documental de Grant Gee sobre la historia de los esenciales Joy Division. Y para quien le interese, con anterioridad he subido otros como American Hardcore, Get Thrashed o Instrument (Fugazi). Espero que os sea de utilidad!

Un saludo primigenio!

Ya disponible el link de descarga de "The Beginning Of The End, The End Of The Beginning" de NAHRAYAN!!

2012-01-13T01:55:00.000+01:00

Lo prometido es deuda, y hoy pongo a vuestra disposición el enlace de descarga del que en mi opinión es desde ya firme candidato a entrar en el Top de mejores discos de 2012. Espero que la escucha del álbum de Nahrayan os brinde el mismo placer malsano que a un servidor, y que si lo hace apoyéis a la banda adquiriendo el CD que se editará en Febrero o la edición en vinilo que se sacará posteriormente. Creedme si os digo que merece la pena.

CLICK AQUÍ PARA IR A LA RESEÑA Y DESCARGAR

OLDE GROWTH - S/T (2011)

2012-01-11T20:22:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

No pocos han sido los álbumes que nos han sorprendido a lo largo de un 2011 lleno de triunfos en lo musical, y que a buen seguro a más de uno le llevará aún muchos meses disfrutar en su verdadera dimensión. Una de esas sorpresas fue el debut de Olde Growth, un joven dúo de Boston que causó una notable conmoción en el panorama metálico estadounidense. He de decir que en su momento no le presté la atención debida al disco, e incluso me pareció de lo más genérico, pero poco a poco fui descubriendo todos sus matices y a día de hoy es probablemente uno de los trabajos que más haya escuchado de la selecta cosecha de 2011. La banda, compuesta por Stephen LoVerme al bajo y voces y Ryan Berry como batería, demostró que no es necesario una formación de cinco o seis integrantes para dar forma a una propuesta que puede medirse en pegada y contundencia con cualquier combo de los que pululan ahí fuera. Y mucho menos si como estos tíos el punto de partida es un sludge abrasivo como la lija del 10.

Remarco lo del punto de partida, eso sí, porque sería todo un error calificar a Olde Growth como una banda sludge, ya que sus tentáculos abarcan bastantes más sonoridades que las habituales en tan pantanoso género. Podríamos decir que para Olde Growth el sludge es sólo el medio a utilizar para derribar las puertas de tu castillo, y una vez dentro se valen de toda una serie de diferentes tácticas y estratagemas con las que ir liquidando a tu guarnición. Todo ello gracias a la dinámica voz de LoVerme, capaz tanto de emitir gruñidos de orco como de pasar a registros melódicos con un gusto exquisito. También de quitarse el sombrero es su labor en el bajo, tan buena que nos hace olvidar lo necesario de las seis cuerdas en el rock. Su afinación, en vez de hacer hincapié en una distorsión desmedida y gorda (como sería lo habitual), se acerca mucho a la que se suele utilizar en la guitarra, permitiéndose el lujo incluso de cascarse un solo en Life In The Present. Un gran ejemplo de lo que te vas a encontrar en el debut de los bostonianos es la inicial The Grand Illusion: un comienzo lleno de groove stoner que explota en tu cara con toda la rabia propia del sludge, acompañado de los berridos iracundos de LoVerme, para cuando menos lo esperas tirarte de la silla merced a unos estribillos muy en la línea de los Fu Manchu más inspirados. Life In The Present es un corte mucho más denso, plúmbeo, casi doom, y en la que el bajista se vuelve a salir en su versátil utilización de los registros vocales, para completar una maravilla de canción, oscura como una noche sin estrellas. El cuerpo central del disco lo compone la mastodóntica Cry Of The Nazgul/The Second Darkness/To The Black Gate, 10 minutos divididos en tres cuerpos y de evidente inspiración tolkieniana. Sus primeros cinco minutos están dominados por una base demoledora de sludge/doom y alaridos que te harán pensar en hordas de orcos corriendo en tropel a sodomizarte. Sin preámbulos a esa fase le siguen los dos minutos correspondientes a The Second Darkness, muy en la línea de una jam stoner, con voces límpias y un marchar que se convierte en cabalgada, para terminar en un in crescendo épico de la mano de los tres minutos finales de To The Black Gate. En definitiva, un corte inmenso y poliédrico, genial para descuartizar afeminados elfos y matar a golpes con sus partes a patéticos humanos. O algo por el estilo, ya captáis la idea. Sequoia continúa transitando parajes de densidad pantanosa y agresividad, seguida de la pequeña intro Red Dwarf, preámbulos de la parte álgida del álbum en mi humilde opinión. Porque entonces llega Everything Dies, y yo no puedo más que postrarme a los pies de estos dos putos geniecillos. Se trata de una instrumental, pero de qué nivel, señores. Otra composición que va cargándose de intensidad y energía a medida que van pasando los minutos, y que los mismísimos Kyuss hubieran matado por firmar. Y por si no habías tenido suficiente, llega la final Awake para doblegarte. 11 minutacos oscuros y heavys como el mismísimo Infierno, y otra demostración de que estos señores dominan a la perfección absolutamente todos los recursos del rock más pesado y maligno. Enorme. En total 46 minutacos de placer tectónico y que hará las delicias de todo amante del sludge de calidad, y que demuestran al mismo tiempo que en el stoner no está todo dicho, ni muchísimo menos.

Uno de los grandes debuts de 2011, y la confirmación de Olde Growth como una banda a seguir muy de cerca. Toda la abrasividad del sludge, la pegada y el groove del stoner e incluso pasajes del grunge más oscuro. Eso y más es lo que estos dos señores han facturado en un álbum hecho para volarte la cabeza.

NOTA: 8,75/10

BUY IT!!!

OFFICIAL HOMEPAGE

NAHRAYAN - The Beginning Of The End / The End Of The Beginning (2012)

2012-01-04T23:58:00.003+01:00

(click en la portada para descargar)

Puedes escuchar el disco completo pinchando AQUI

En el momento de escribir esta reseña, está confirmada la edición del disco en formato CD de lujo por el sello catalán Les Fleurs Du Mal, así como la intención de sacar la edición en vinilo a cargo de Radix Records, Odio Sonoro, Nooirax, Devilchild Records, Ozium Records (Suecia) y el propio sello de la banda, Marcha Lenta. La edición en CD saldrá en Febrero. No hace falta decir que si os gusta el álbum, y en la medida de vuestras posibilidades, apoyéis a los que lo han hecho posible adquiriendo el CD o el vinilo.

Yeah! Por fin puedo reseñar uno de los álbumes que con mayor ansia esperaba degustar un servidor tras muchos meses con los dientes largos, exprimiendo las dosis del mismo que sus creadores iban colgando en su bandcamp. Nada comparado con el largo y doloroso proceso de parto a través del cual verá la luz The Beginning Of The End / The End Of The Beginning. Más de una década en la que una idea, una gran idea, se estrellaba con la problemática de los cambios de formación y unos músicos extremadamente exigentes que no veían plasmados al 100% sus sueños sonoros en las diferentes grabaciones que iban moldeando. Como todas las grandes ideas, como todos los sueños que merecen la pena soñarse, necesitan de un proceso de tanteo, de prueba y error, hasta que todas las aristas y facetas de la joya en bruto van tomando forma y puliéndose. Por fin esa joya está lista para ver la luz, y os aseguro que su brillo dejará a más de uno hipnotizado. Nahrayan es el sueño colectivo de Julián (Muerte Por Mil Cortes, The Sand Collector, Quebranto) a la guitarra, bajo, voces y efectos, y Miguel (The Sand Collector, Quebranto) como batería y percusionista, nacido en el caluroso verano alicantino allá por el año 2000. En 2006, tras un directo junto a los catalanes Moksha, la banda decide separarse. Atrás quedaban numerosos conciertos en el Estado español, dos discos autoeditados (Demo en 2002 y Searching Perfect Dreams en 2003) y un EP póstumo (The End, 2006). Con la espina clavada de no haber podido presentar como ellos querían su propuesta, y tras haber crecido como músicos, Miguel y Julián deciden regrabar 7 de aquellos temas (dos de ellos inéditos, como Barathrum Fields y Red Moon) con un sonido a la altura de los mismos, añadiendo nuevos arreglos y ejecuciones. Del mismo modo, a nivel letrístico The Beginning... se ha conformado como un disco conceptual a través del cual veremos la manifestación física de todos los demonios internos de la humanidad, una manifestación que acaba por devorar el planeta entero.

Así pues, ¿qué es lo que tenemos con The Beginning...?, ¿un debut?, ¿un renacimiento?, ¿un colofón final? Pues nada de ello y todo a la vez. Tenemos el final de una búsqueda, que al culminar deviene en un ente completamente nuevo. Una meta que lleva implícitas todas las etapas de crecimiento de dos músicos geniales. Porque el álbum es una absoluta gozada, todo una invitación al escapismo y una profecía de nuestros peores miedos, de la mano de una propuesta a la que es difícil encasillar en un género concreto. The Beginning... es como un combate a muerte con una bestia infernal en mitad del mejor colocón de peyote, como zambullirte en un océano exótico y relajante para descubrir que allí te espera una horda de pirañas hambrientas, un puño de hierro enfundado en guante de terciopelo. A caballo entre unas sonoridades deudoras del universo post y la abrasividad del sludge, Nahrayan obran una alquimia atroz, herética, que mancilla la belleza de una música evocadora hundiéndola en un denso pantano de desesperanza. Miel para nuestros jodidos oidos, vamos. Y es que de estos señores me esperaba toda la malignidad posible, pero me he quedado a cuadros con las tremendas espirales sonoras y la capacidad de evocación que son capaces de desplegar. Hablaba de ese acercamiento al universo post, pero podría concretar diciendo que The Beginning... tiene alguno de los momentos post-rockeros más bellos que he escuchado en mucho tiempo, algo sorprendente ya que servidor sospechaba más un posicionamiento en la línea de Neurosis. No lo comento como algo negativo sino todo lo contrario, pues al atenuar los decibelios y la abrasividad la contraposición con los pasajes más furibundos se acentúa, y de esa unidad y lucha de contrarios surge un todo más grande, metáfora de ese conflicto interno que opera en todos nosotros y que amenaza con engullirnos vivos junto con todo el puto planeta. Especialmente remarcables son esos momentos de introspección sonora en las tremendas When Sun Sets Down y A Dying Sun, capaces de transportarte entre suaves oleadas a un estado de paz onírica para en cuestión de segundos despedazarte con inmisericordes ataques dirigidos a pulverizar tu córtex cerebral. Porque a pesar de lo comentado no es The Beginning... un disco para abrazarte con tus amigos gafapastas recordando el maravilloso legado de Mogwai. Aquí hay mucho mal rollo, verdadera lija para el alma, y a pesar de las infinitas capas sonoras que Julián es capaz de desplegar con su guitarra, a pesar del hipnótico percutir de Miguel, Nahrayan vomita desesperanza por todos sus costados. ¿No me crees? Pues chapotea entre fango y alambre de espino durante los 11 minutos de la grandiosa Red Moon Last Sunrise, y luego me cuentas. O mantente intacto mientras esa apisonadora de nombre Barathrum Fields aplasta hasta el último de tus patéticos huesos. Me ha encantado el tratamiento sonoro de las voces, como salidas de la garganta de alguna ronca bestia abisal, que acentúa aún más el mal rollo de las composiciones. No hay paz para los pecadores, o así deben pensar Nahrayan, porque durante los más de 65 minutos del álbum no dan pie al aburrimiento ni al descanso en un trabajo que requiere toda la atención del oyente, pero que a cambio le ragala una de las experiencias más satisfactorias que se puedan disfrutar hoy día en el campo metálico. Algo que queda refrendado en el mastodóntico corte final, The End, 15 minutos de deleite malsano en el que hay cabida para la épica oscura, la furia desatada e incluso unas melodías capaces de ponerte los pelos de punta. Podría seguir hablando de los mil matices que esconde el disco, o del maravilloso sonido que han conseguido este par de cabrones, pero dejo que sean los oidos y pútridos corazones de cada uno los que juzguen una propuesta que a mi ya me ha ganado para su causa oscura.

La primera en la frente. Con imaginación, pasión y un talento desbordante, Nahrayan se han cascado una obra monumental, y que para mí entra directamente a la lista de lo mejor de un 2012 que huele a Apocalipsis. Grandes.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

BANDCAMP

TOP 15 - BEST ROCK ALBUMS OF 2011

2011-12-30T18:14:00.001+01:00

Tras el TOP 25 - BEST METAL ALBUMS OF 2011, le toca el turno al listado de los discos rockeros que más me han gustado este año que toca a su fin. Un ranking en el que me siento menos presionado y libre para hacer trasatadas, si tengo que ser sincero. A veces la línea que separa rock y metal es muy fina, más aún cuando nos adentramos en terrenos como el del stoner o el doom, pero pensad en ambas listas como complementarias. En el fondo este TOP rockero me sirve como ampliación del de ayer, y si cuela, cuela,jajajaja. Como siempre, no lo toméis demasiado en serio, seguro que hay discos mejores que los que aquí he puesto y estaré encantado de conocerlos o discutir acerca de ellos. Lo importante es que todos aprendamos y descubramos. Recordad, cada disco enlaza con la reseña correspondiente que de ellos hice en su momento. Y tras esta mierda de entradilla hippie, entremos en faena!

15 - Three Seasons - Life's Road

"Grata sorpresa la que nos dio el ex-vocalista de Siena Root, Sartez Faraj, al poner en marcha este nuevo proyecto. Un álbum que bebe, como no podía ser de otra manera, de los grandes clásicos: Santana, Cream, Led Zeppelin, Hendrix o The Doors. Life's Road es un disco precioso, brillante y que nos recuerda que el rock nunca morirá. Al menos mientras exista Suecia."

14 - The Dirty Streets - Movements

"Desde la cuna del blues y el rock'n roll nos llegó una de las sorpresas más gratas del año. Y es que este jovencísimo trio de Memphis constató todas las esperanzas puestas en ellos con un discazo que huele a rock crudo, de ese nacido del legado de MC5, Grand Funk Railroad e incluso The Stooges. Un recordatorio de que el género, más allá de poses, eternas progresiones y desarrollos lisérgicos, siempre fue fuego y actitud."

13 - La Dispute - Wildlife

"La confirmación de La Dispute como una de las grandes formaciones dentro del post-hardcore. Wildlife supone un paso de gigante en su carrera, el descenso a los infiernos más arrebatador y bello que pudieras haber soñado, y acompañado de una calidad lírica capaz de cortar el aliento. Únicos."

12 - Serpent Venom - Carnal Altar

"Ponte un casco de obra y apuntala el techo de tu habitación porque Serpent Venom es lo más parecido a una brigada de demolición ocultista que jamás vayas a encontrate. Terror setentero, magia negra, riffs ciclópeos, solos incendiarios y una sección rítmica más contundente que la defensa de la selección italiana de fútbol. Miel para nuestros pútridos y heréticos oidos."

11 - Hills - Master Sleeps

"De nuevo desde la inagotable cantera sueca nos llega un trabajo para quitarse el sombrero. Inaudita la habilidad con la que Hills empaca géneros como el space-rock, la psicodelia y el krautrock dando como resultado un producto de una sencillez y accesibilidad capaz de seducir incluso a un público ajeno a dichos estilos. Master Sleeps es una delicia para los oidos, un viaje maravilloso en el que perderte más allá de los sentidos."

10 - Russian Circles - Empros

"Empros es la culminación de una búsqueda, la confirmación de que con valentía, esfuerzo y talento los resultados llegan. Sin necesidad de rupturas bruscas y a través de una evolución basada en la coherencia, el trío estadounidense nos presenta un álbum que es la continuación lógica de Geneva, pero subiendo un peldaño más en su búsqueda de la excelencia. Y es que creo no equivocarme al calificar Empros como el mejor disco de Russian Circles hasta la fecha."

9 - Arenna - Beats Of Olarizu

"Beats Of Olarizu es la voz cuando se fusiona con el alma, el riff cuando deviene en fuego creador, el blues transformado en fuerza desatada de la naturaleza. Un disco a la que la categoría de stoner, así como las fronteras nacionales, se le quedan pequeñas. Enhorabuena, cabrones."

8 - Chris Connelly - Artificial Madness

"Regreso triunfal de Chris Connelly para dejar a la altura del betún a todos los clones y advenedizos del post-punk ochentero. Una vuelta a los orígenes pero con los pies firmemente asentados en el presente, y la reivindicación del escocés como una de las figuras claves del pasado y presente del género."

7 - Lo-Pan - Salvador

"Con Salvador nos encontramos con una obra de vocación referencial dentro del stoner, y que en el caso del cuarteto de Ohio cuenta con la suficiente transversalidad como para hablar de un disco de rock en toda regla. Un tema redondo tras otro que encumbran la sencillez a la categoría de arte, y las ideas claras como fuerza motriz detrás de cada gran banda de rock'n roll."

6 - Scott H. Biram - Bad Ingredients

"Bad Ingredients es atemporal como el arte más sublime. La tradición musical norteamericana en su máxima expresión, pero con un interior que arde con la energía del siglo XXI y sus nuevas generaciones. El country-blues del nuevo milenio."

5 - Orchid - Capricorn

"La reencarnación de Black Sabbath en el siglo XXI, halo de genialidad incluida. Un clásico del rock añejo en pleno 2011. Cualquier otra consideración está de más."

4 - Wo Fat - Noche del Chupacabra

"Combinando a la perfección unos riffs gordos (pero que muy gordos) y pegadizos como la brea con unos desarrollos en la línea de una jam-band compuesta por rednecks adictos al THC y el bourbon, la banda consigue aunar en un sólo pack conceptos como contundencia, virtuosismo, complejidad compositiva y pegada sin que el resultado chirrie o se abra por las costuras de tan complicado trabajo de patchwork sonoro."

3 - Bong - Beyond Ancient Space

"Si YOB es la mejor banda doom de la actualidad, Bong se han confirmado como el mejor grupo fuera de la corriente temporal. Porque eso nos propone Beyond Ancient Space, romper las barreras de lo físico, de lo posible, para adentrarnos en un plano de ritmos primarios y ensoñaciones lisérgicas, donde la música es mucho más que discos, formatos, giras o estribillos. La música como espíritu destilado, insustancial, poderoso y creador."

2 - Graveyard - Hisingen Blues

"Despojados de artificios y sonoridades modernas, Graveyard nos retrotraen a una época en la que para comerse el mundo tan sólo hacía falta talento (mucho talento) y pasión desbordada por la música. Valiosa enseñanza de que los 70 no se encuentran mirando por el retrovisor sino en el motor del vehículo. Soberbio."

1 - Sólstafir - Svartir Sandar

"El trayecto ha llegado a su fin, y las vistas del nuevo paisaje son insuperables. Svartir Sandar es la continuación lógica de los anteriores y soberbios discos de Sólstafir, y su mejor trabajo hasta la fecha. Con una capacidad de evocación arrebatadora, los islandeses se han desprendido de todo su bagaje metálico para acercarse a propuestas como las de Sigur Rós o My Bloody Valentine, pero con una personalidad tan poderosa que se aúpa sobre el legado de ambos, dando forma a un álbum que es la encarnación de su nación entre surcos de vinilo. Helada, irreal, salvaje y con unos arrebatos volcánicos capaz de abrasarte con el fuego de sus coladas. Uno de los grandes discos de lo que llevamos de milenio."

TOP 25 - BEST METAL ALBUMS OF 2011

2011-12-30T00:42:00.000+01:00

Bueno, pues ha costado lo suyo pero encaramos el final de año con la típica lista inútil que no contentará a nadie más que a un servidor y cuyo único aspecto positivo probablemente sea el de descubrir a algún lector bandas que se le esscaparon a lo largo de 2011. Sólo por eso merecería la pena el esfuerzo. Respecto a la lista en cuestión, decir que ha sido tremendamente difícil elaborarla, y doloroso no incluir en ella discos que cualquier otro año hubieran estado en lo más alto. Podría haber hecho una de mayor extensión, pero al final uno tiene que concretar, y en todo caso siempre está el archivo del blog para investigar, pues la mayoría de los que me soléis leer sabéis que sólo subo discos que me han gustado por encima de la media. Comentar también que a ésta le seguirá otro listado de bandas en el apartado de rock, de menor tamaño pero que en mi opinión sintetiza bastante bien lo que en ese género nos ha deparado este maravilloso año (en lo musical, porque en todo lo demás ha sido una puñetera mierda). Todos los discos enlazan a las reseñas que de ellos hice en su momento.

25 - Today Is The Day - Pain Is A Warning

24 - Entrails - The Tomb Awaits

23 - Wolves In The Throne Room - Celestial Lineage

22 - Pulling Teeth - Funerary

21 - Ensorcelor - Crucifuge

20 - Subrosa - No Help For The Mighty Ones

19 - YOB - Atma

18 - Loss - Despond

17 - The Atlas Moth - An Ache For The Distance

16 - Mournful Congregation - The Book Of Kings

15 - Omega Massif - Karpatia

14 - Flourishing - The Sum Of All Fossils

13 - Batillus - Furnace

12 - Grayceon - All We Destroy

11 - Midnight - Satanic Royalty

10 - Necros Christos - Doom Of The Occult

"Doom Of The Occult es un álbum inmenso, único y que abre una sorprendente nueva vía en el devenir del Death Metal. Sin necesidad de incorporar sonoridades revolucionarias ni fusiones extrañas, Necros Christos han acudido a las fuentes originales, mezclando sus aguas en un brebaje de aterradores efectos sobre la psique y adictivas consecuencias para todos aquellos marcados por el amor al metal más herético."

9 - Terra Tenebrosa - The Tunnels

"Tremebundo debut de esta banda surgida de las cenizas de los grandiosos Breach. The Tunnels hace honor a su nombre, conformàndose como un álbum de opresiva penumbra, de sonidos que te atacan a ciegas desde todas las direcciones, y cuyo leit motiv es el puro disfrute sadomasoquista, la celebración enfermiza de la desesperanza. Noise, ambient, drone, post-metal... las herramientas son pocas cuando el fin último es desgarrarte los ojos con la visión del fin de los días."

8 - Tombs - Paths Of Totality

"Cabezas de cartel en el próximo Roadburn y entre los mejores discos del año para la mayoría de la prensa especializada, 2011 ha sido sin duda un gran año para Tombs. Sin necesidad de cartas pretenciosas ni de llamados al trascendentalismo, el trío neoyorquino encarna la verdadera deconstrucción del black metal made in USA, obligándolo a fusionarse con todo el bagaje metálico estadounidense, desde el sludge al noise pasando por el hardcore. El resultado: auténtica lija para el alma."

7 - Vektor - Outer Isolation

"Vektor ya no son una promesa de futuro, porque éste ya no existe, se nos ha negado. Vektor son el presente, y pobre de aquel que ose compararse con ellos. Outer Isolation es una puta monstruosidad, es el thrash del siglo XXI, cuyas deudas con el pasado son insignificantes frente a todo lo que estos señores le han añadido por cuenta propia. La mejor banda de thrash metal de la actualidad. Punto."

6 - Negative Plane - Stained Glass Revelations

"El mejor disco de black metal del año a cargo de la formación más poderosa del planeta en el género. Olvídate de pasajes evocadores, ambientaciones etéreas o discursos hippies. Puede que los focos iluminen a Wolves In The Throne Room o Liturgy, pero Satán abraza a Negative Plane. Con Stained Glass Revelations el trío de Florida ha erigido una monstruosa catedral al Maligno, plena de raw black metal tradicional por un lado mientras que por el otro despliega un barroquismo y una lisergia oscura capaces de hacer llorar a cualquier rudo habitante de Cascadia. Enormes."

5 - Obscura - Omnivium

"Enorme, barroco, intrincado, bello, brutal... Cualquier adjetivo se queda corto ante un álbum como Omnivium, clásico instantáneo y referencial dentro del death metal de corte técnico. Toda una exhibición de habilidad ultraterrena unida a una clarividencia y genio compositivo sólo al alcance de estos señores. Chuck Schuldiner estará sonriendo mucho, donde sea que se encuentre"

4 - Primordial - Redemption At The Puritan's Hand

"Séptimo álbum de estudio y sexta obra maestra de Primordial. Un trabajo que vuelve a enterrarse en las entrañas de Irlanda para gritarnos desde allí el orgullo de todo un pueblo. Las palabras se quedan cortas para describir la grandeza de una banda como ésta. Gracias por existir."

3 - Ulcerate - The Destroyers Of All

"Tras darle carpetazo a todo un género con su anterior y monumental Everything Is Fire, los neozelandeses Ulcerate decidieron tomar un nuevo camino en The Destroyers Of All. Uno más lento, opresivo, intrincado y (¿por qué no?) evocador. Como una impía fusión entre Immolation y Neurosis, el resultado vuelve a ser una criatura única, todopoderosa y maligna que no tiene rival en esta bola de barro llamada planeta."

2 - Blut Aus Nord - 777 Sect(s) / 777 The Desanctification

"Como 777 Cosmosophy esté a este nivel me parece que más de una banda puede ir quitándose el maquillaje de oso panda (o sus camisas de cuadros si son yankees) porque estaremos ante un hito insuperable dentro del black metal de vanguardia. Siempre un paso por delante, Blut Aus Nord han vuelto a demostrar que su creatividad (cualitativa y cuantitativa) juega en otra liga disputada tan sólo por ellos mismos."

1 - Esoteric - Paragon Of Dissonance

"Nombrarlo mejor álbum del año o el mejor disco de funeral doom jamás compuesto sería insultar un trabajo de la talla de Paragon Of Dissonance, que se mueve a través de planos más allá de categorías tan pueriles. El tiempo coloca cada obra en su lugar, y corrobora, ajusta o directamente manda a la mierda las valoraciones que se hicieron acerca de las obras de arte nacidas en cada momento. Nunca he leído el futuro, y dudo que nadie pueda hacerlo, pero si nos aguardan tiempos mejores estoy seguro que en ellos un trabajo como éste será poco menos que reverenciado por las generaciones venideras."

SERPENT VENOM - Carnal Altar (2011)

2011-12-29T16:12:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Joder, vaya cabeza la mía. Toda la mañana con una extraña sensación de que faltaba algo en mi lista de los mejores álbumes rockeros, y pensando que era la reseña del nuevo disco de The Devil's Blood. Cuando iba a comenzar con la misma, y mientras revisaba el archivo del blog, me he dado cuenta de qué era: ¡Me faltaba la reseña del debut de Serpent Venom! Juraría que la había hecho en su momento, pero parece ser que mi cerebro está más cascado de lo que creía. Una lástima por el segundo álbum de The Devil's Blood, porque es genial, pero el tiempo y las prioridades mandan, y Carnal Altar es un pepinazo demasiado gordo como para no incluirlo en el Top 15 rockero. Pero metámonos en harina. Serpent Venom es un cuarteto británico formado en 2008 y que cuenta entre sus filas con Gaz, ex-vocalista de los fantásticos e injustamente desconocidos Sloth (que nos regalaran en 2000 aquella joyita llamada The Voice Of God). Tras una notable demo autoeditada el año pasado captan la atención del sello The Church Within Records, hogar de colosos como Lord Vicar, Manilla Road, Orchid o Solace, para grabar su debut. El resultado no ha podido ser más satisfactorio, pues sin ninguna duda Carnal Altar es una de las grandes sorpresas de 2011.

No esperéis ninguna revolución en la propuesta de estos cuatro greñudos, pero sí uno de los mejores discos de heavy-doom que hayáis escuchado en mucho tiempo. En la línea de unos Electric Wizard antes de perder las garras, Serpent Venom rinden culto a los Black Sabbath más plúmbeos, extrayéndoles toda la vena hippie y quedándose tan sólo con su poderoso caminar. Saint Vitus es otra de las referencias evidentes en la música de los británicos, pero por encima de todos estos datos tenemos un disco soberbio, hipnótico y de una masividad aterradora. Sólo ese comienzo con las monstruosas Carnal Altar y Blood Of The Serpents (temazo!) harán que tengas que apuntalar a toda prisa los techos de tu casa, porque los riffs que manejan estos herejes son de unas dimensiones ciclópeas. Y cuando crees que el álbum se desinfla algo en sus cortes centrales... zas!, te vomitan Devilshire y The Outsider, dejándote la única opción de salvar todo lo que puedas de entre los cascotes y buscar un nuevo hogar. El bajo de Nick es lo más parecido a un seismo abisal que puedas imaginar, y por momentos te preguntarás sin no están sonando dos o tres de ellos solapados, porque te aseguro que tu ecualizador de graves va a trabajar como nunca para no morir de combustión espontánea. Como ya he dicho, no encontraréis aquí bellas melodías ni pasajes de psicodelia lisérgica, sino un altar depravado y enorme a la contundencia, que de manera rítmica, hipnótica e insaciable te golpeará sin piedad durante los más de 55 minutos que dura Carnal Altar. Miel para los oidos de todos aquellos que reverenciamos los grandes discos de Cathedral y todavía lloramos por la pérdida de los primeros Electric Wizard (aunque a cambio se nos dio a Ramesses, que no todo van a ser lamentos). Ocultismo, magia, terror setentero italiano, riffs cósmicos, solos incendiarios y la gran voz de Gaz Ricketts. Un cóctel infalible que ha dado como resultado uno de los grandes discos de 2011. Si eres fan de Black Sabbath, Electric Wizard y Cathedral, te vas a toquetear como un mono en celo con estos tíos. Lástima de un par de temas algo planos, porque si no estaríamos hablando de toda una obra maestra.

Discazo. Todo un misilazo de rock añejo y ocultista embadurnado en la mayor pesadez heavy que puedas imaginar. Si le sumamos la espectacular edición a cargo de The Church Within Records, estamos ante un álbum de compra obligada.

NOTA: 9/10

BUY IT!!!

MYSPACE

PRIMORDIAL - Redemption At The Puritan's Hands (2011)

2011-12-29T01:11:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Por fin! Con esta reseña cierro el año metálico y puedo encarar la lista de lo mejor de 2011 con al menos los grandes títulos incluidos en el blog. Desgraciadamente otros muchos lanzamientos significativos se me han quedado en el tintero, pero espero mencionarlos y a lo largo de 2012 ir comentándolos como merecen. Mañana subiré del mismo modo las reseñas rockeras que me faltan y así poder publicar las dos listas (rock y metal) para la víspera de Nochevieja. Que luego explote, muera agotado y no me volváis a ver jamás es algo que afrontaremos a su debido tiempo,jajajajaja Éste último disco metálico que visita Ecos De R'Lyeh es muy especial para mí, no lo puedo negar. Primordial es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, y despiertan en mi sensaciones y estados de ánimo que rara vez se muestran en mi primigenio ser, tanto que se me hace muy difícil expresarlo con palabras (de ahí que haya retrasado al límite esta reseña). La conexión más evidente podría hablar de una lírica extraordinaria y llena de orgullo por pertenecer al pueblo irlandés que entronca con mi condición de vasco, pero creo no ser una persona de especial ardor nacionalista (más allá de la defensa de los derechos básicos de mi pueblo, como el de poder decidir su futuro). Otra explicación, más soterrada pero probablemente la acertada, sea que el quinteto irlandés colma mi pasión por la épica bien hecha, más allá de cutreríos vikingos y banalidades powermetaleras. Hablo de las grandes historias de nuestra especie, llenas de dolor, sangre, sacrificios, victorias y derrotas. Es decir, los mecanismos que con tanto esfuerzo y sufrimiento nos han hecho avanzar como sociedad, y que en definitiva rigen las leyes del Universo, donde no hay avance sin confrontación, ni vida que no vaya inseparablemente unida al ocaso. Todo eso late en en la música de Primordial, desde que en 1995 debutaran con el notable Imrama. A partir de ahí, una carrera que si el futuro es benigno será venerada por todo amante de la música superlativa y honesta. Porque cada álbum que los irlandeses han entregado desde entonces han sido poco menos que obras maestras, destacando en mi insondable y tierno corazoncito los monumentales The Gathering Wilderness (2005, recientemente re-editado) y To The Nameless Dead (2007). Cuatro añitos hemos tenido que esperar para tener un nuevo trabajo de Primordial entre las manos, pero tras muchos meses paladeando esta obra de orfebrería, puedo decir que tenemos otra victoria rotunda.

Mucha gente ha criticado Redemption... por carecer de hits inmediatos como The Empire Falls o As Rome Burns, incluidos en su anterior trabajo To The Nameless Dead. Algo completamente cierto, pero que eso se esgrima como argumento de peso en unos terrenos estilísticos como éstos me parece una soberana estupidez. Lo podría entender si estuvieramos hablando de Amon Amarth o Machine Head (sin desmerecer un ápice a esas bandas), pero no en el caso de Primordial, que practican un black metal épico de influencias folklóricas y medios tiempos que se alargan a unos metrajes superiores a los 7 minutos. Tampoco habla muy bien del conocimiento de la banda por parte de esas personas, pues quitando el mencionado (y soberbio) álbum, no es Primordial una banda que haya basado su carrera en temas de un gancho tan evidente. Sin embargo, quien quiera disfrutar del verdadero fuego de los irlandeses, de esa grandilocuencia arrebatadora, de su expresividad superlativa y de un Nemtheanga reivindicándose una vez más como el mejor frontman del planeta, va a arder con él lo mismo que en sus grandes obras maestras. Si lo analizamos atentamente, To The Nameless Dead es de hecho una rareza dentro de la discografía de la banda, pues es un álbum brillante, lleno de gloria, victorioso. Primordial, al igual que Irlanda (desgraciadamente), no conoce mucho de victorias, pero si de resistencia. Y la resistencia nunca es bonita ni radiante, es gris, orgullosa y repleta de épica soterrada, de la que nunca nadie conocerá nombres propios ni pondrá caras a las lágrimas derramadas. Redemption... es una vez más el grito de esa esforzada y tenaz lucha, en la que un soberbio Nemtheanga vuelve a dejarse el alma para darnos a entender que la muerte no es nada, y sólo cobra relevancia al echar la vista atrás y ver cómo hemos vivido nuestras vidas. Para ello recorre de nuevo la Historia del siglo XX, como la Revolución Letona de 1905 surgida al calor de la de su homóloga rusa o la derrotada Insurrección de Pascua irlandesa de 1916 en la que perdió la vida el socialista James Connolly, uno de los líderes más excepcionales que jamás haya tenido la izquierda. Las guitarras de MacUiliam y O'Floinn siguen rayando a un nivel soberbio, en el que sin necesidad de masturbaciones ni intrincadas filigranas consiguen crear in crescendos de quitar el hipo, demostrando un dominio de los climax para quitarse el sombrero. Del mismo modo la sección rítmica retumba como el marchar del Ejército Ciudadano Irlandés, destacando especialmente el soberbio trabajo de O'Laoghaire a los parches, toda una demostración de técnica y contundencia cuando es preciso. La producción es otro de los puntos estelares en Redemption..., como es habitual en los trabajos de Primordial. Un sonido que inexplicablemente es capaz de fusionar lo orgánico (porque estos señores componen al estilo de las jam-bands... como lo oís) con la épica, sin necesidad de sobreporducciones ni efectos de retoque posteriores. Chapeau de nuevo. Aquí no hay hits, cierto, pero en cambio tenemos una historia grande como la vida, dividida en ocho actos capaces de poner los pelos de punta, y que demuestran una vez más que Primordial es una de las bandas más especiales, honestas, talentosas e inteligentes que jamás nos haya dado el metal.

Séptimo álbum de estudio y sexta obra maestra de Primordial. Un trabajo que vuelve a enterrarse en las entrañas de Irlanda para gritarnos desde allí el orgullo de todo un pueblo. Las palabras se quedan cortas para describir la grandeza de una banda como ésta. Gracias por existir.

NOTA: 10/10

BUY IT!!!

OFFICIAL HOMEPAGE

WOLVES IN THE THRONE ROOM - Celestial Lineage (2011)

2011-12-28T14:02:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Mucho he tardado en escribir la reseña de uno de los discos que más han dado que hablar este año, aunque sinceramente he necesitado bastante tiempo para aclarar las ideas respecto a un álbum, y una banda, que se han convertido en todo un fenómeno capaz de traspasar las fronteras de la comunidad blacker. Desde el moderneo indie de Pitchfork a su homólogo estatal encarnado en el cartel del Primavera Sound (patrocinado por las inefables Rock de Lux y Vice) ensalzan las virtudes de Wolves In The Throne Room y por extensión de la oleada de nuevas bandas estadounidenses que desde diferentes acercamientos están llevando a cabo toda una revitalización del género. Esta exaltación repentina por parte del gafapastismo internacional me provoca cuanto menos desprecio, más aún cuando uno es consciente de que en dos días se les habrá pasado y se lanzarán en pos de un nuevo género "rarito" al que encumbrar. Sin embargo, al final uno tiene que aislarse de todo lo superficial y centrarse en la música, que a fin de cuentas es lo importante. Y si alguien sabe componer música de calidad esos son los hermanos Weaver, que con Celestial Lineage entregan su cuarto LP y el que cierra la trilogía comenzada con el monumental Two Hunters (2007). Tres discos a través de los cuales Wolves In The Throne Room han ahondado en una propuesta que pivota sobre los legados de Burzum y Emperor llevándolos a un nuevo nivel de evocación y ambientalismo.

No os dejéis engañar, eso del blackgaze es una patraña, o en todo caso nada nuevo para quien conozca medianamente propuestas como las de Burzum. Casi dos décadas lleva el loco de Vikernes regalándonos joyas de minimalismo cósmico y nadie había sentido la necesidad de ponerle una estúpida etiqueta más allá de la de black metal, hasta que en 2011 a algún gurú de las tendencias se le ocurrió que eso del black ambiental podía venderse como un producto nuevo. De eso nada, me niego. Wolves In The Throne Room es un grupo fantástico, y los mejores continuadores de la senda abierta por los citados Emperor y Burzum. Cogiendo las estructuras monumentales de los primeros y los universos hechos con dos mimbres del segundo, el dúo estadounidense le ha añadido unas sonoridades ambientales espectaculares que han devenido en una propuesta remozada y con una personalidad indudable. Celestial Lineage ahonda aún más en esos últimos aspectos, aunque sin perder de vista los elementos preponderantes que encumbraron Two Hunters como su mejor disco hasta la fecha y uno de los mejores albumes de black metal del nuevo milenio. Entre esos elementos está la inclusión de nuevo de la vocalista Jessica Kenney, que vuelve a estar espectacular encumbrando Celestial Lineage a nuevas cotas de belleza. Como comentaba no estamos ante un trabajo que alcance la grandeza de Two Hunters, pero a cambio nos regala las suficientes novedades de calidad como para poder disfrutarlo enormemente. Entre ellas el intrincado trabajo de guitarra de Nathan Weaver, mucho más denso que de costumbre pero que gracias a una claridad de ideas prodigiosa deviene en una monumental edificación sonora. En líneas generales se trata de un trabajo mucho más sofisticado que sus predecesores, y aunque se puede echar de menos el primitivismo de aquellos, tampoco desagradan, ni mucho menos, la inclusión de teclados y reminiscencias sinfónicas que les acercan aún más a sus adorados Emperor. La impecable producción que han elegido para la ocasión no es sino una confirmación de esta tendencia. Muchas son las cualidades del álbum: profundo, complejo, con unas progresiones de estructuración casi clásica y un poder de evocación envidiable que hace que a pesar de lo intrincado de la propuesta su escucha sea de una facilidad insultante. Valores suficientes para permitir a Wolves In The Throne Room seguir siendo la referencia a seguir en cuanto a black metal ambiental se refiere, con el permiso de sus compatriotas Agalloch, por supuesto.

Celestial Lineage no llega a las cotas de grandeza de Two Hunters, pero posee tanto peso específico y virtudes que le bastan para encumbrarse con pasmosa facilidad como uno de los mejores discos del año. Todo un universo encerrado entre surcos de vinilo. Grandes.

NOTA: 9,25/10

BUY IT!!!

OFFICIAL HOMEPAGE

LA DISPUTE - Wildlife (2011)

2011-12-27T03:00:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

He de reconocer que la primera vez que oí hablar de ese movimiento autodenominado The Wave mi primera reacción fue bastante negativa. Desde sus pintas de jóvenes flequilludos y modernetes a sus raíces screamo me inspiraban un desprecio visceral, orgánico, a un mundillo del que han trascendido más sus bandas mediocres y de temática adolescente que sus logros (que alguno habrá). Que encima reivindicaran el buen nombre del post-hardcore no ayudaba que digamos. Sin embargo, muchas han sido las veces que me he tenido que tragar esos prejuicios ante la luz de los hechos, y por eso decidí sacar tiempo para indagar en la propuesta de las bandas que integraban The Wave. Algunas de ellas no me desagradaron (Defeater), otras me decepcionaron (pensaba que Pianos Becomes The Teeth eran diferentes más allá de su ridículo nombre, pero me encontré a unos Envy en versión norteamericana), otras me dejaron dividido (la propuesta de Touché Amoré me gusta mucho pero sus letras me parecieron horribles) y una me ganó por goleada. Hablo de La Dispute, y aunque su primera referencia (Somewhere At The Bottom Of The River Between Vega And Altair, 2008) no me voló la cabeza, no puedo decir lo mismo de su segundo largo, Wildlife. Un álbum que el quinteto de Michigan no tuvo prisa por madurar (para los tiempos que corren) y que les coloca como uno de los grandes refrentes dentro de la nueva ola de post-hardcore.

Empezaré avisando que la propuesta de estos tíos no es para todo el mundo, e incluso muchos huirán despavoridos en cuanto Jordan Dreyer empiece a cantar las primeras estrofas del álbum, pero lo que no se puede decir es que La Dispute sea una banda que deje indeferente. Tampoco es Wildlife un trabajo que apele a análisis puramente objetivos o de cariz técnico, básicamente porque no se mueve por esos planos. Estamos ante un álbum que es alma pura y cuyo objetivo es alcanzar la del oyente, aunque sea a costa de dejarla vapuleada y rota. Vamos, que Wildlife nunca va a ser lo más pinchado en un cumpleaños o una boda. Una obra que sorprende desde un nacimiento pensado primero como una serie de relatos cortos a cargo de Jordan Dreyer y luego revestido del envoltorio musical perinente, y que te acaba cautivando por la calidad de los mismos y la forma en que los cabrones consiguen que empatices al extremo con sus historias de vidas rotas y desgracias. En el plano estrictamente musical La Dispute recoge lo mejor de tres generaciones del hardcore, obligándolo a trabajar dando forma a una propuesta muy personal, tanto que se escapa a su vez de toda forma de encorsetamiento estilístico. Encontramos aquí la inquietud e inconformismo infinitos del post-hardcore, las melodías de las grandes bandas emo de princios de los 90 y los arrebatos melodramáticos de los vocalistas screamo arrimando el hombro para hacer de Wildlife un álbum de una intensidad sobrecogedora. Generalmente no hablo de las letras de los discos que comento, pero es imposible comprender la grandeza de Wildlife sin leer las historias de Dreyer., interpretadas a medio camino entre el cantar "clásico" y el spoken word. Historias de un padre agredido brutalmente por su hijo esquizofrénico (Edward Benz, 27 Times), el dolor por el asesinato de un niño en un tiroteo (King Park) o la pérdida de un hijo a causa del cáncer (I See Everything) se combinan con otras de cariz más introspectivo (a Letter, a Poem, a Broken Jar), pero todas ellas compartiendo una calidad literaria soberbia y una fusión con la música tan perfecta que el resultado es poco menos que apabullante. Si no se te ponen los pelos de punta cuando Jordan Dreyer se desgañita cantando "Can I still get into heaven if i kill myself?" en Edward Benz, 27 Times es que no tienes sangre en el cuerpo. Y en el caso que no sepas inglés ni puedas acceder a una traducción de las letras, no te preocupes, porque cortes como The Most Beatiful Bitter Fruit o los anteriormente citados tienen un nivel acojonante en lo estrictamente musical y un despliegue vocal tan intenso que te volarán la cabeza aunque no sepas de qué dirección proceden los golpes. En total 14 temas que se sienten como una unidad cohesionada por el dolor y la desesperación que desgraciadamente atenaza las vidas de mucha gente en este puerco planeta, y que tienen esa escasa cualidad de desafiar los límites de la transmisión sonora para entrar en tromba por la vía emotiva. El sonido orgánico, grabado casi en directo y despreciando cualquier retoque posterior no hace sino aumentar esa sensación de que estás ante un disco muy especial, honesto y compuesto sólo para ti.

Wildlife supone un paso de gigante en la carrera de La Dispute, tanto que cualquier otra banda se podría dar por satisfecha con haber grabado algo de esa envergadura. El descenso a los infiernos más arrebatador y bello que pudieras haber soñado. Únicos.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

OFFICIAL HOMEPAGE

BLUT AUS NORD - 777 Sect(s) / 777 The Desanctification (2011)

2011-12-24T18:39:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Pocas bandas en el planeta me insuflan tanta tranquilidad por el porvenir como Blut Aus Nord. Independientemente de los desastres naturales, crisis económicas o programas del corazón que nos depare el futuro, se que a pesar de ello ahí estará la formación gala editando obras maestras en las que poder refugiarme de cualquier chaparrón. Y es que desde su debut Ultima Thulée (1995) hasta la fecha todo lo que Blut Aus Nord han vomitado al mundo ha llevado impreso un sello de calidad y vanguardismo sonoro simplemente inalcanzable para el resto de mortales. Siempre inquietos y alejados de cualquier postura acomodaticia, las huestes del misterioso Vindsval nos han llevado disco tras disco a través de una travesía exploratoria por parajes caleidoscópicos de ruidismo, oscuridad ambiental y furia blacker inéditos hasta su llegada. Por eso cuando se anunció que se traían entre manos sacar una trilogía conceptual completa en poco más de un año, algo demencial y abocado al fracaso para cualquier otra banda, un servidor tan sólo se frotó las manos con deleite esperando tres discos nuevos de Blut Aus Nord en tan poco tiempo. Lo único que me intrigaba era saber qué dirección iban a tomar esta vez: ¿Profundizarían la senda atmosférica del monumental Memoria Vetusta II: Dialogue With The Stars (2009), retornarían al retorcido sonido industrial de Mort (2006) o abrirían un camino completamente nuevo (otra vez)?

Escuchados ambos discos con deleite malsano durante los últimos meses (y a la espera del disco que cierre la trilogía en 2012, 777 Cosmosophy) puedo decir que de todo hay un poco, aunque es muy clara la inclinación a recuperar lo expuesto en Mort y Odinist (2007). Todos los fans de Godflesh pueden tener erecciones descontroladas, porque el retorcido y enfermizo industrial de las huestes de Justin Broadrick se encuentra aquí manifestado con hiriente gloria. Guitarras que chillan como cerdos en una matanza, ritmos mecánicos desmenuzando tu córtex cerebral y unas ambientaciones de oscuridad apocalíptica como no recordarás desde los gloriosos tiempos de los de Birmingham. Pero pobre infeliz el que piense que esto es poco más que un ejercicio de homenaje o plagio a Godflesh, porque eso significa que no conoce a Blut Aus Nord. Siempre dando un paso más los franceses no se han contentado con los medios tiempos pausados y aplastantes de Godflesh, sino que han imprimido a sus composiciones unos acelerones furibundos y cambios de ritmo capaces de cortar el aliento, sin olvidar unas guitarras cuyo despliegue es tan intrincado que servidor todavía se haya enredado en la pútrida maraña en la que devienen. Como si de unos hijos bastardos de Godflesh y Deathspell Omega se tratasen, los Blut Aus Nord del 2011 son una insaciable máquina de edificar desasosiego, inquietud y una incomodidad que por momentos puede ser asfixiante. Sin que esto les pareciera suficiente, toda una serie de melodías magníficamente creadas se cuelan por las escasas grietas de la enorme edificación catredalicia, que lejos de endulzar el resultado lo convierten en algo aún más monstruoso e irreal, violando impúdicamente toda la inocencia a la belleza. A pesar de lo cohesionado de la propuesta hay diferencias evidentes entre ambos discos, centrándose 777 Sect(s) en el maligno dinamismo salvaje mientras 777 The Desanctification se inclina más por unas densas y opresivas atmósferas. Caras diferentes de una misma moneda en todo caso, que se complementan a la perfección a la espera del disco que concluya esta inmensa historia de terror post-apocalíptico. Ponerme a detallar la saga 777 en base a temas o analizando el vasto entramado de guitarras y soberbios samplers no sólo supera mi capacidad intelectual (cada vez más mermada por el Maligno), sino que me parece un acto inútil frente a una propuesta, que como ésta, supera y va más allá del mero raciocinio.

Como 777 Cosmosophy esté a este nivel me parece que más de una banda puede ir quitándose el maquillaje de oso panda (o sus camisas de cuadros si son yankees) porque estaremos ante un hito insuperable dentro del black metal de vanguardia. Siempre un paso por delante, Blut Aus Nord han vuelto a demostrar que su creatividad (cualitativa y cuantitativa) juega en otra liga disputada tan sólo por ellos mismos.

NOTA: FUCKING CLASSIC (+10/10)

BUY IT!!!

ENTRAILS - The Tomb Awaits (2011)

2011-12-16T14:18:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Y seguimos, que esto no para!! Esta vez con el segundo ataque frontal de los suecos Entrails tan sólo un año después de su monumental Tales From The Morgue (2010). El cuarteto liderado por Jimmy "Bloodspill" Lundquist rescataba en su debut, de la mano del productor Dan Swano, las grabaciones que el guitarra y compositor llevó a cabo en el 91 pero que por diversas circunstancias no vieron la luz. Regrabadas y puestas a punto con un sonido 100% actual, Tales From The Morgue fue una grata sorpresa, uno de los mejores discos del año y un trabajo que sin ningún pudor podías colocar al lado de las grandes obras maestras de Entombed, Dismember o Grave. Siempre hay esperanza, y aquel fallido intento por parte de unos jóvenes de montar su propia banda de metal se acabó cumpliendo casi dos décadas después. Sin ganas de esperar más tiempo, Entrails volvieron a entrar al estudio a principios de año para componer, esta vez sí, nuevos temas con los que demostrar que no habían perdido ni un ápice de la magia demostrada en Tales From The Morgue. De nuevo bajo la batuta del genial Dan Swano, el resultado no ha podido ser más demoledor.

The Tomb Awaits es otra descarga de death metal old school, con doce temas que son como auténticos misiles balísticos dirigidos a tus centros neurálgicos. No me entretendré discutiendo sobre si es mejor que su debut, tan sólo diré que no lo desmerece en nada y que estamos ante otra joya del mejor death metal del país de Ikea. Con una producción aún más limpia y gorda que su predecesor, es imposible no rendirse ante un disco capaz de noquearte con una colección de ganchos indefendibles. No estamos ante un disco de matices ni elucubraciones complejas, esto es metal a piñón y horrores surgidos de la tumba, así que o lo tomas o lo dejas. No hacen nada nuevo a lo ya expuesto en su día por bandas como Entombed, pero joder, lo hacen tan bien que es imposible no soltar una lagrimita de emoción ante temas de groove aplastante como Crawling Death. No penséis que la cosa queda ahí, porque puñetazos en la cara hay aquí para elegir de sobra. Prueba con las demenciales Eaten By The Death, To Live Is To Rot o Collection Of Craded Heads y sabrás lo que es no parar de sonreir mientras te dejan el cerebro hecho mierda a golpes, y todo ello envuelto en un sonido tan masivo como una orgía de obesos mórbidos gruñendo en una charca de brea. Joakim Svensson adereza tan gorda propuesta con una grandiosa voz de ultratumba, ideal para amenizar bodas y bautizos con bellas historias de desmembramientos, decapitaciones y muertos que se levantan de sus tumbas. A un disco de estas características se le puede analizar desde dos acercamientos distintos. El primero sería mandarlo a la mierda argumentando que no aporta nada novedoso al death metal sueco, y llevaría razón. El segundo, en cambio, se dejaría de legados e historia del género y se rendiría ante 12 cortes simplemente perfectos. Como sospecharéis soy de la segunda opinión, y por ello me postro a los pies de Entrails por segundo año consecutivo para que hagan con mis huesos lo que quieran.

Los cabrones lo han vuelto a hacer. The Tomb Awaits es otro clásico instantáneo para todos los que amamos el death metal venido del frío, y la confirmación de Entrails como la banda más en forma dentro del subgénero. A sus pies, enterradores.

NOTA: 10/10

BUY IT!!!

MYSPACE

AVER - Aver (2011)

2011-12-14T13:57:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Hacía mucho que no dedicaba una entrada a la sección de Nuevas Bandas, algo que lamento mucho pero que ha venido determinado por la necesidad de reseñar los grandes lanzamientos de este año (que han sido muchos!) y el poco tiempo que me ha dejado para dedicarlo a otros menesteres. En todo caso, y aunque ya en Diciembre, me dispongo a remediar eso con la presentación de una banda que entre todas las que me han llegado me ha sorprendido sobremanera. Aver es un joven cuarteto procedente de Sydney, que en Abril sacaron su álbum debut autotitulado de manera independiente (no están en ningún sello y ellos mismos se encargaron de todo el proceso de edición física y promoción del mismo). La banda, compuesta por Burdt (guitarra, voces), Luke (guitarra, segundas voces), Jed (bajo) y Chris (batería), despliega una propuesta difícil de etiquetar, donde hay cabida para el stoner, el grunge y la psicodelia.

Lo primero que he de decir en lo referente al álbum es que me quito el sombrero ante una banda capaz de facturar algo de este calado en su primer intento, porque aunque haya ciertos aspectos a pulir (muy pocos), en el global estamos ante un fantástico álbum de rock (por encima de subgéneros) con momentos realmente sublimes. Especialmente remarcables son los pasajes de corte más expansivo y psicodélico, donde la cópula entre las bellas guitarras de Burdt y Luke y la percusión de Chris alcanza cotas de evocación admirables. Muchas son las referencias que podemos citar aquí, como las de Alice In Chains, Kyuss o Brant Bjork, pero que sinceramente desviarían la mirada de un trabajo con la suficiente personalidad propia como para destacar por sus propios méritos. Nos encontramos ante ocho temas que se despliegan sin ninguna prisa, echando a andar de la mano de unas instrumentaciones preciosas que van ganando fuerza para dar entrada a explosiones eléctricas cortesía de unos riffs de marcado sabor desértico, y que también nos hace pensar con una sonrisa en los grandiosos Yawning Man. En el aspecto vocal tenemos otro de los puntos fuertes de Aver, principalmente por una gama de registros tremendamente amplia que pueden recordarnos a Layne Staley lo mismo que desgañitarse en gritos o adoptar esquemas menos obvios como en la bella y relajada Decay. Y lo más importante de todo es que aquí hay canciones, señores, algunas de ellas muy buenas. Un gran ejemplo es el single no oficial Acid Rain, con esa sorpresiva entrada de la mano de un didgeridoo (cuánto hacía que no escuchaba uno de éstos en un disco de rock!) que deviene en un tema que se mueve con destreza entre momentos de calma y explosiones de furia rockera cortesía de un Burdt que se deja la garganta en el proceso. Anti-Matter es otra de mis preferidas, especialmente el delicioso bajo de Jed que sinceramente me dejó boquiabierto. Es difícil encontrar hoy día un bajista con la clase y buen gusto que este tío demuestra en gran parte del álbum, pero sobre todo en ese corte del que hablo. Podría seguir desgranando los cortes uno a uno, y alabar la belleza acústica de Phantomb Limb o la amalgama de psicodelia y stoner pesado de Retreat To Space, pero prefiero que seáis vosotros los que degustéis los manjares que contiene este sorprendente debut.

NOTA: 8/10

BUY IT!!!:

send an e-mail to averdistro@gmail.com (8$)

SOUNDCLOUD PAGE

MOURNFUL CONGREGATION - The Book Of Kings (2011)

2011-12-14T01:02:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Nada, que parece imposible que uno se pueda dedicar a las reseñas pendientes porque de nuevo nos llega otro discazo de última hora para reventar mi apretada lista de los mejor de 2011. Qué gran año estamos viviendo los amantes del doom, por Satán. Si las obras maestras de YOB y Esoteric no eran ya suficientes, aparecen los titanes Mournful Congregation con su nuevo disco para hacernos babear como verdaderos trolls. En activo desde 1993, los australianos nunca se han caracterizado por llevar una prolífica carrera (The Book Of Kings es su cuarto álbum de estudio en 18 años), si bien es cierto que casi todos sus lanzamientos se pueden contar por victorias, especialmente aquella obra maestra que fue The Monad Of Creation (2005). Adscritos a las poco numerosas pero aterradoras huestes del funeral doom, Mournful Congregation nunca han temido amalgamar tan abisal punto de partida con bellas melodías, pasajes acústicos e incluso coqueteos con el folk que expandieran aún más una propuesta de por sí infinita. Con The Book Of Kings el ahora cuarteto formado por Adrian Bickle (batería), Justin Hartwig (guitarra), Damon Good (voz y guitarra) y la nueva incorporación de Ben Newsome (bajo) vuelve dos años después del notable The June Frost (2009) para reclamar un sitio dentro de la todopoderosa aristocracia del género.

Y con un álbum como éste bien pueden reclamar ese título nobiliario, pues han vuelto a parir otra monstruosidad como ya hicieran con The Monad Of Creation. Se hace muy complicado describir con palabras un trabajo de estas características, y al igual que me pasa con Esoteric tan sólo puedo referirme a su propuesta en clave de sensaciones y paisajes que se dibujan en mi cabeza cuando estoy bajo el influjo de las eternas notas que la componen. Ya que he citado a los británicos, me supongo que muchas serán las voces dispuestas a enfrentar en términos de calidad su reciente Paragon Of Dissonance con este The Book Of Kings, esfuerzo que considero hasta cierto punto ridículo. Estamos ante dos obras monumentales, y aunque servidor considera que el álbum de Esoteric es superior principalmente por su carácter rompedor y visionario, eso no quita para que se quite el sombrero ante la obra maestra que es The Book Of Kings. Y lo que debería hacer todo amante de la buena música es darle gracias a Satanás por poder disfrutar en un mismo año de dos joyas de este calibre. Centrándome en el disco que me traigo entre manos, he de reconocer que aunque se trata de un trabajo más "ortodoxo" y circunscrito a los cánones tradicionales del funeral doom, muchos son los detalles que lo separan de propuestas como las de Ahab, por poner un ejemplo. El principal es el gusto exquisito con el que se han tratado las guitarras, que lejos de obsesionarse con riffs de infinita tectónica (que los hay), han decido ampliar su paleta de colores para desplegar un tapiz de una riqueza abrumadora para los sentidos, donde haya cabida no sólo para las melodías, sino también para unos pasajes acústicos cercanos al folk y capaces de poner los pelos de punta. Tal es la presencia de esa faceta acústica, y tan soberbia su excelencia compositiva, que en cortes como The Bitter Veils Of Solemnity nos parece estar en presencia de los Agalloch más inspirados, que no es moco de pavo. The Book Of Kings es un monumento a la melancolía, una invitación a perderse entre ensoñaciones de una vastedad cósmica y un irremediable proceso de desvestido tras el cual quedaremos literalmente desnudos ante sus notas. Otro de los factores que hacen del álbum algo indescriptible es un in crescendo nada habitual dentro del género, caracterizado por una cohesión granítica entre todos sus temas. The Book Of Kings no es así, y a través de sus tres primeras canciones asistimos a una adecuación sensorial para lo que tiene que llegar, que no es otra cosa que una catársis en forma de los más de 30 minutos de su corte homónimo final. Un tema capaz de robarte el aliento,dejando en su lugar un vacío aterrador respirando a través de tus pulmones, una cópula en la que el horror roba toda la inocencia a la belleza, dejándola sucia y rota entre notas de oscuro delirio. Sencillamente una de las mejores canciones que jamás nos haya regalado el Funeral Doom, y que desgraciadamente sólo disfrutaremos los amantes del género. Sólo ese tema ya merecería inscribir a Mournful Congregation con letras de oro en el Hall Of Fame del panorama metálico. Por el momento un servidor lo hará en el suyo particular, y por descontado en una lista de lo mejor del año en la que estarán en los puestos de cabeza.

The Book Of Kings es un disco inalcanzable con el verbo o la palabra, porque está hecho para dialogar con las estrellas. Afortunados somos de poder asistir a un espectáculo que tan sólo puede ser apreciado tras la negación de la cordura. Bienvenida sea dicha locura si viene de la mano de Mournful Congregation.

NOTA: 10/10

BUY IT!!!

OFFICIAL WEBSITE

CHRIS CONNELLY - Artificial Madness (2011)

2011-12-13T14:14:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Este año no doy abasto, os lo juro. Si a una importante lista de discos pendientes por reseñar le sumamos nuevos lanzamientos de una calidad soberbia que no paran de aparecer, pues mi frustración alcanza límites casi insoportables. El último álbum de Chris Connelly ha supuesto uno de esos lanzamientos, y teniendo en cuenta que 2011 ha sido un año predominantemente metálico, me he decidido por comentar un trabajo que nutra mi inminente lista de los mejores discos de rock del mismo. Por compensar, vamos. Es probable que muchos no conozcáis a este cantante y compositor escocés, pero si os digo que se trata de un ex-miembro de bandas como Ministry y Revolting Cocks supongo que la cosa cambia. Sería injusto también el ignorar sus grandes trabajos junto a bandas menos conocidas como los post-punks Pigface o los noise-industriales Murder, Inc., que le granjearon el ser todo un personaje de culto dentro del underground de Chicago (ciudad a la que se mudó en los 80 cuando entró a formar parte de Ministry y Revolting Cocks). Su producción en solitario ha sido más que prolífica, pues desde que debutara en 1991 con el fantástico Whiplash Boychild, 15 han sido los álbumes que el bueno de Connelly ha lanzado al mercado. El último este Artificial Madness, un trabajo lleno de sorpresas. La primera es el sello que lo edita, Relapse Records, una de las discográficas metálicas más importantes del planeta y a priori en las antípodas de una propuesta como la del escocés. La segunda sorpresa es la colección de músicos que acompaña a Chris Connelly en la aventura, pues tenemos a lo más granado del extremismo metálico encarnado en miembros de Wolves In The Throne Room, Indian y Minsk, entre otros. De hecho, el omnipresente Sandford Parker (Minsk) no sólo se encarga de los teclados en Artificial Madness, sino que también es el responsable de la producción del mismo.

En el plano estrictamente musical puedo decir que Artificial Madness es el álbum del escocés que más me ha gustado desde Whiplash Boychild. No elevaré mi opinión a categoría de máxima porque no he escuchado todo el material que ha editado Connelly, pero creo no equivocarme al colocar su nuevo álbum dentro de lo mejor que jamás haya compuesto. Muchas han sido las transformaciones que ha tenido su propuesta sonora, desde el rock industrial al minimalismo acústico, pero con Artificial Madness regresa a sus orígenes en solitario, aquel comienzo unido al punk/post-punk que tan buenos resultados le diera. Como si de un repaso al género se tratase, el álbum evoca desde el maravilloso punk 80's de Public Image Ltd (la banda que formó John Lydon tras la separación de Sex Pistols junto al ex-The Clash Keith Levene) al post-punk industrial de Killing Joke, sin olvidar el breve pero influyente legado de Joy Division. La influencia de PiL se muestra en todo su esplendor en cortes como el single Wait For Amateur, que se basta con dos minutos para conformar un tema ganador, de los de la vieja escuela. Compatibility, aunque de mayor metraje, maneja parámetros similares, haciéndonos retroceder en el tiempo al nacimiento de la música alternativa pero sin perder por ello toda la frescura de un disco compuesto en 2011. Los teclados de Sandford Parker son deliciosamente ochenteros, y aunque muy alejados de los parámetros llenos de oscuras atmósferas y psicodelia que suele manejar nuestro querido patilludo, encajan perfectamente en la propuesta de Connelly. Sorprende del mismo modo la acojonante labor del resto de músicos involucrados, tanto que pareciera que han nacido para el punk y no para destruir cerebelos con sus bandas de metal extremo. En el aspecto vocal destaca un Chris Connelly en plena forma, con su característica interpretación mezcla de escocés borracho, crooner enamorado de David Bowie (especialmente en cortes como Cold Blood In Present Company) y spoken-word, girando alrededor de una temática versada en la alienación del hombre frente a la tecnología. Y aunque Artificial Madness no es un trabajo que vaya a agradar especialmente a los fans de Ministry, si pueden encontrar un guiño en las voces distorsionadas de la genial The Goner. En total 11 temas que se evaporan en menos de 40 minutos, dejándote una enorme sonrisa de satisfacción en el rostro y la sensación de haber escuchado algunos de los mejores temas que nos haya regalado 2011. A sus pies, señor Connelly.

Regreso triunfal de Chris Connelly para dejar a la altura del betún a todos los clones y advenedizos del post-punk ochentero. Una vuelta a los orígenes del post-punk pero con los pies firmemente asentados en el presente, y la reivindicación del escocés como una de las figuras claves del pasado y presente del género. Sencillamente uno de los mejores discos de 2011.

NOTA: 9,75/10

BUY IT!!!

OFFICIAL WEBSITE

THE DIRTY STREETS - Movements (2011)

2011-12-12T13:18:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Tras varias entradas dedicadas al metal en sus diferentes variantes, hoy toca degustar un álbum de rock añejo y atemporal, a cargo de una de las formaciones más prometedoras del país de las barras y estrellas. Hablo de The Dirty Streets, un jovencísimo trío proveniente Memphis, la cuna del blues y el rock'n roll. Formada por el vocalista y guitarra Justin Toland y el bajista Thomas Storz en 2006, pronto reclutaron en sus filas al batería Andrew Denham. Con la banda completa, en 2009 apareció su álbum debut, Portrait Of A Man, que si bien no era un disco redondo si supuso toda una sorpresa por el nivel y la energía que desplegaban los recién llegados. Su propuesta, una mezcla entre el blues, el rock clásico y el punk dejaba claro que estábamos ante una formación de raíces que nada tenía que ver con la oleada revival liderada por combos como Wolfmother o Jet. Arropados por un público, el de Tennessee, que como poco les sacaban 10 y 15 años, The Dirty Streets se convirtieron en la sensación del estado, aprovechándose de la experiencia y apoyo que esa insigne vieja guardia les brindó (desde conseguir locales para tocar a ayuda en cuestiones de sonido y grabación). Una vez fogueados sobre las tablas y con nuevo material compuesto, el trío volvió a meterse en el estudio a principios de 2011, dando como resultado Movements.

Movements no supone ninguna sorpresa respecto a lo presentado en Portrait Of A Man, pero si en lo referente a la calidad de sus composiciones. Porque estamos ante un disco redondísimo, diez cortes ganadores que alardean de una energía, gancho y feeling como pocos he escuchado este año. Mucho más dinámico y fluido que su predecesor, Movements es un fantástico ejercicio de rock crudo, que bebe por igual de MC5, Grand Funk Railroad, los Stooges, los Led Zeppelin menos grandilocuentes y James Brown. A nivel instrumental estamos ante una formación de la vieja escuela rockera, que sin necesidad de virtuosismos ni complicaciones consiguen en cambio desplegar una fuerza encomiable, primaria y que te hará mover los pies sin remedio. Destaca especialmente Movements en su aspecto vocal, con un gran Justin Toland que recuerda gratamente a insignes cantantes como Leslie West de Mountain o Burton Cummings de los míticos The Guess Who. La verdad que es una gozada el poder disfrutar de una banda de corte clásico que no se apoye en la grandilocuencia ni pretenciosidad de las grandes bandas de la era dorada (sin que eso suponga una cítica por mi parte a ese aspecto) como suele ocurrir, y se centre más en la crudeza que fue el santo y seña del rock'n roll original. Y quién necesita de añadidos cuando se enfrenta a pepinazos como Cloud Of Strange o Felt, dos de los puntos álgidos del álbum y verdaderas invitaciones a mover pies y cabeza como posesos. La producción a cargo de Doug Easley (que tiene en su haber producciones para Sonic Youth, Pavement y The Walkmen), como no podía ser de otra manera incide en un sonido orgánico y natural, casi de directo, la elección perfecta para una propuesta como la del trío. Poco más puedo añadir a un álbum simplemente magnífico, que nos recuerda que el rock, más allá de poses, desarrollos lisérgicos o eternas progresiones, siempre ha sido fuego y actitud.

Una grata sorpresa y la confirmación de todas las esperanzas que había puestas en The Dirty Streets. Por actitud, temas y gancho, Movements es simple y llanamente uno de los mejores discos de rock de 2011.

NOTA: 9/10

BUY IT!!!

MYSPACE

NECROS CHRISTOS - Doom Of The Occult (2011)

2011-12-07T14:49:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Seguimos con el sprint para abarcar los imprescindibles que nos ha regalado este maravilloso 2011, y hoy toca hablar del segundo largo de los germanos Necros Christos. Formados en 2001, no fue hasta 2007 (tras editar cuatro demos, un EP y cuatro splits, uno de ellos con los madrileños Teitanblood) que hicieron su presentación oficial en formato larga duración con el impresionante Triune Impurity Rites. Como un ciclópeo rodillo de maldad, su debut era un tremendo ejercicio de death metal old school que marchaba a la batalla con la tranquilidad poderosa del doom y un aura de oscurantismo herético que no dejó indiferente a nadie. Cuatro años de silencio siguieron a tan demoledor trabajo, hasta que por fin hemos podido catar con malsano disfrute las nuevas composiciones que dan forma a Doom Of The Occult, editado por Sepulchral Voice Records.

Doom Of The Occult continúa la senda abierta por su predecesor, pero apuntalando el andamiaje que soportaba tan descomunal obra, de tal modo que podemos hablar de un trabajo mucho más elaborado, complejo y, en definitiva, mejor. Volvemos a encontrarnos con un álbum de intrincada estructura, en total 23 temas de los cuales 14 son piezas instrumentales, y en el que las 9 canciones propiamente dichas están intercaladas por unos preludios que se dividen en instrumentales de sonido catedralicio llamadas "templos", y que a su vez preceden a otras llamadas "puertas" reminiscentes de Oriente Medio. Algo que de primeras podría sonar como un impedimento o un corte en la fluidez del disco deviene en todo un acierto, pues lejos de sesgar el hilo argumental de Doom Of The Occult lo termina por enriquecer y elevarlo a unas cotas de evocación admirables en un disco del género. Dejando a un lado la organización y centrándonos en la composición, lo primero que hay que reseñar es el genio de Mors Dalos Ra, auténtico genio y líder de Necros Christos, cuya labor de creación y amalgamado de géneros es una pútrida delicia para nuestros oidos. Partiendo del death metal primigenio de grupos como Autopsy e Incantation, el germano no ha dudado en hacer copular su criatura con las surgidas de las entrañas de géneros como el black metal y, sobre todo, el doom. Porque si algo caracteriza el sonido de Necros Christos son esos medios tiempos malsanos y densos como un caldero de entrañas y heces, que sirven como poso para que Mors eleve su infame registro vocal mientras contamina el Antiguo Testamento, evoca pasajes de la Cábala, se pasea por los milagros del Antiguo Egipto o invoca oscuras deidades de Oriente Medio. El duo formado por el propio Mors y Evil N. a las guitarras es espectacular, abarcando un arsenal de recursos inagotable que va desde los riffs monolíticos del doom a solos de infarto pasando por bellos y exóticos pasajes de folk oriental. Sin embargo la principal cualidad de Doom Of The Occult no es tanto la complejidad técnica de las composiciones como la asombrosa habilidad con que elevan dichas construcciones hasta el cielo, sin necesidad de alardes ni excesivas vueltas de tuerca a una idea que no necesita de añadidos. La unión de todos estos factores, junto con esa estructura de álbum casi clásica y dividida en movimientos, da como resultado una interacción con el oyente fascinante, sumiéndolo en un trance letárgico que dibuja extraños y pavorosos paisajes de oscuridad exótica y primigenia, perdida en la memoria de nuestra civilización. Tal es el grado de interacción con el subconsciente que la noción del tiempo se disipa, escapando como humo ante las revelaciones pavorosas de estos germanos, capaces de convertir el inmenso metraje de Doom Of The Occult (casi una hora y cuarto de travesía) en poco más que un parpadeo, tras el cual tu alma quedará enganchada irremediablemente a los secretos desvelados, que perseguirás una y otra vez con la fe ciega del fanático condenado.

Doom Of The Occult es un álbum inmenso, único y que abre una sorprendente nueva vía en el devenir del Death Metal. Sin necesidad de incorporar sonoridades revolucionarias ni fusiones extrañas, Necros Christos han acudido a las fuentes originales, mezclando sus aguas en un brebaje de aterradores efectos sobre la psique y adictivas consecuencias para todos aquellos marcados por el amor al metal más herético.

NOTA: 9,75/10

BUY IT!!!

OFFICIAL WEBSITE

GIANT SQUID - Cenotes (2011)

2011-12-03T16:16:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Llega Diciembre, y con él los agobios por una lista de reseñas pendientes que este año ha adquirido unas dimensiones aterradoras. De hecho, con los discos que me quedan por comentar podría hacerme un Top de 2011 con el que muchos estarían de acuerdo sin echar apenas nada en falta. Decidido a cumplir con mis obligaciones autoimpuestas, comienzo el sprint final de cara al 31 de Diciembre, y qué mejor que con el nuevo trabajo que nos regalaron hace unos meses Giant Squid. La banda liderada por Aaron Gregory había dejado el listón en una marca insuperable con The Ichtyologist (2009), una joya inclasificable de rock/metal progresivo que alcanzaba la rarísima cualidad hoy día de sonar completamente diferente a cualquier otra banda (si exceptuamos a Grayceon, pero teniendo en cuenta que su líder Jackie Gratz Pérez también se encuentra aquí, no cuenta). Áquel era un disco muy especial, que además de unas composiciones soberbias, contaba con añadidos que lo redondeaban a la altura de poco menos que un clásico moderno, merced a una espectacular portada a cargo de Sam Keith (autor de cómics responsable, entre otros, de The Maxx y el tremendo Arkham Asylum: Locura) y a la colaboración de la insuperable voz de Anneke Van Giersbergen (en la preciosa Sevenspill). Con la nada fácil tarea de parir un nuevo álbum que inevitablemente sería comparado con The Ichtyologist, el ahora cuarteto (se mantiene el núcleo formado por Aaron Gregory, el bajista Bryan Beeson y la cellista Jackie Perez, con la incorporación de Scotty Sutton como batería) compuso Cenotes de nuevo con el productor Matt Bayles (Isis, Soundgarden, Mastodon, Pearl Jam) y un concepto temático que continuaba la senda abierta por su anterior trabajo.

Este concepto temático (la historia de un hombre que pierde su humanidad y debe aprender a sobrevivir en un mundo rodeado de mar) es lo único que une Cenotes con The Ichtyologist, pues los cambios que ha introducido la banda afincada en San Francisco en su sonido son considerables. Todo un acierto en mi opinión, ya que intentar alcanzar o superar lo que hicieron en 2009 era poco menos que un suicidio. Conscientes de ello, Giant Squid han hecho lo más inteligente (y valiente en este mundo lleno de grupos acomodados), que no es otra cosa que abrir una nueva senda a explorar con sus largos tentáculos, sin por ello perder ni un ápice de personalidad por el camino. Y es que en cuanto suenan las primeras notas de Tongue Stones uno ya sabe que se encuentra frente a un tema del cuarteto, pero cuando éstas se entrelazan y empiezan a dar forma a la composición esa percepción se une a la comprensión de que la bestia oceánica ha cambiado de colores. El primero de los cambios es el mayor peso del cello de Jackie Pérez Gratz, omnipresente durante todo el álbum y que le dota de un aura exótica muy cercana a los sonidos de Oriente Medio, confirmando a esta señorita como una de las grandes explosiones creativas de 2011 (no olvidemos que es la líder de Grayceon y responsable de la puta maravilla de disco que se han cascado este año). El otro gran cambio, y más importante, es el modo en el que se desenvuelven las progresiones de los temas, de una manera mucho más dinámica que en The Ichtyologist. Mientras que en aquél teníamos cortes como La Brea Tar Pits que incidían en un plúmbeo caminar, pesado e hipnótico, los cinco cortes que conforman Cenotes exhiben mucha mayor ligereza y dinamismo, sin que por ello Giant Squid pierda su capacidad evocadora. Si The Ichtyologist era la banda sonora de las profundidades y sus tesoros escondidos, Cenotes nos evoca batallas entre bestias marinas mitológicas, mostrando su esplendor en el encrespado oleaje de la superficie oceánica. A pesar de lo comentado el cuarteto sigue transmitiendo dureza y pesadez cuando quiere, merced a unas guitarras que golpean con fuerza y enseñan los dientes a capricho, así como un bajo abisal cortesía de Bryan Beeson. Sin embargo esa crudeza es ahora una herramienta utilizada para remarcar ciertos pasajes, y no tanto una constante en el sonido de la banda, sacrificio necesario para echar a nadar unos temas que gustan ahora de lanzarse en frenéticas exhibiciones natatorias. En el aspecto vocal tenemos de nuevo el maravilloso dueto entre Aaron Gregory (y sus similitudes en ciertos momentos con Serj Tankian) y Jackie Perez, aspecto éste que refuerza esa sensación de dinamismo que impregna Cenotes. Con un metraje de 35 minutos repartidos en 5 cortes podríamos hablar de un EP más que de un LP, pero son tantos los detalles y jugo que se le saca a este trabajo que esas consideraciones pierden todo sentido. Y es que aunque la música de Giant Squid seduce desde el primer momento, son necesarias muchas escuchas para captar todo el paisaje impreso en el enorme lienzo que conforma su propuesta, algo que ocurre también con Cenotes. Otra invitación a sumergirse en las fascinantes aguas de su colosal capacidad compositiva, que ante lo visto distan mucho de ir a secarse.

Sorprendente, enérgica e inteligente continuación de aquella obra maestra que fue The Ichtyologist. Cenotes es un álbum ágil como un mar encrespado, poderoso como una bestia marina de pesadilla y evocador como tan sólo lo puede ser el océano ante nuestros ojos anclados a la tierra firme. Giant Squid se reafirman como una de las bandas más especiales del panorama musical (por encima de etiquetas) actual.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

BANDCAMP

VEKTOR - Outer Isolation (2011)

2011-11-24T13:08:00.000+01:00

(click en la portada para descargar)

Dicen que el pasado resurge de manera cíclica, y algo hay de verdad en esa afirmación. El problema es que generalmente regresa no como inspiración sino como medio para copiar de manera vulgar y descarada lo que en él se llevó a cabo. Lo hemos visto en el punk, en el rock, el pop... y el thrash metal. Evidentemente hay bandas de revival que hacen material de calidad, pero se echa en falta que las nuevas generaciones utilicen el legado de Slayer, Megadeth o Exodus como trampolín y no como meta. Sin embargo, siempre hay cabida para la esperanza (y el talento), y el debut de Vektor, Black Future (2009), supuso todo un soplo de aire fresco entre toda esa maraña de grupos clónicos que se han subido al carro del thrash. Áquel era un disco espectacular, donde el jovencísimo cuarteto de Arizona recogía el testigo de formaciones nada obvias como Destruction, Sadus o Voivod y las llevaban a un nuevo nivel a través de unas composiciones intrincadas, sumándole a todo ello unas interpretaciones vocales y un filo cortante deudor del black metal. Outer Isolation, su continuación, se esperaba con impaciencia entre todos aquellos que vimos en Vektor una de las grandes promesas de futuro, teniendo fe en que dieran ese pequeño paso (muy pequeño) que les faltaba para colocarse en la Primera División.

Pues para que no hubiera dudas, en vez de un paso han dado un salto de cojones, tan grande que ahora ya es difícil colocarles en cualquier liga. Porque Outer Isolation eleva a la enésima potencia todas las virtudes de Black Future, deviniendo en un álbum tan asombroso, fresco, innovador y redondo que fácilmente puede ser considerado el mejor álbum de thrash metal desde los grandes clásicos del género... y a su nivel. Las influencias de Destruction y Sadus siguen estando ahí, mientras que la de Voivod ha sido trabajada hasta llevar a cabo una labor que ni siquiera los legendarios canadienses fueron capaces de completar. Me refiero a dar forma a un álbum que se estructura en base a complejas filigranas técnicas y desarrollos complejos pero siempre teniendo en mente la factura de temas redondos y llenos de gancho, huyendo de la dispersión que a veces afectaba a los citados Voivod. Y todo esto sin olvidar que estos tíos aman el thrash metal, siendo capaces de alcanzar auténticas velocidades de vértigo con una técnica abrumadora, inaudita y sorprendente teniendo en cuenta la edad de estos cabrones. Una escucha a orgías barrocas y anfetamínicas como la estelar Fast Paced Society y os convenceréis de lo que estoy hablando. Una verdadera monstruosidad técnica donde las masturbaciones guitarrísticas y la brillantez compositiva se dan la mano como en los mejores años del metal, cuando ambos conceptos iban unidos gracias al pegamento de unos talentos sobrehumanos. El duelo de guitarras entre DiSanto y Nelson es de otra galaxia, lanzándose a una galopada infernal e intrincada capaz de dejar sin aliento, y con una cantidad de recursos tan enorme que son necesarias varias escuchas para poder asimilar en su totalidad el trabajo que han llevado a cago estos dos monstruos. La sección rítmica no se queda atrás, especialmente el bajista Frank Chin, capaz de imponer su sonido por encima de la muralla de sonido y recordando por momentos el inconfundible estilo del todopoderoso Steve DiGiorgio, algo al alcance de muy poquitos músicos del planeta. David DiSanto continúa con su característico registro vocal, a medio camino entre Marcel Schirmer de Destruction y el black metal, salpicado con unos gritos que suenan como si un blacker quisiera cantarse unos temas de power metal, lo que le da un toque genial y muy personal (más si cabe) a la música de Vektor. Si tuviera que resaltar un corte, algo muy difícil porque los ocho que componen Outer Isolation son simplemente perfectos, ese sería Tetraestructural Minds. Buf... una auténtica pasada de canción, el equilibrio perfecto entre técnica ultramundana y gancho imparable, con el bajo de Chin dándose un paseo por las estrellas y la dupla de guitarras rayando a un nivel de verdaderas leyendas del metal. ENORME, una canción para mostrarla con orgullo a los nietos. Citando a la propia banda: "Somos Vektor. La existencia, tal como la conoces, ha terminado. Añadiremos tu individualidad biológica y tecnológica a la nuestra. La resistencia es jodidamente inútil". Pues eso.

Vektor ya no son una promesa de futuro, porque éste ya no existe, se nos ha negado. Vektor son el presente, y pobre de aquel que ose compararse con ellos. Outer Isolation es una puta monstruosidad, es el thrash del siglo XXI, cuyas deudas con el pasado son insignificantes frente a todo lo que estos señores le han añadido por cuenta propia. La mejor banda de thrash metal de la actualidad. Punto.

NOTA: 9,75/10

BUY IT!!!

MYSPACE

A ECOS DE R'LYEH le ha salido un hermanito!! Nuevo blog de variedades primigenias y artículos psicotrónicos.

2011-11-24T01:59:00.000+01:00

(click en la portada para acceder al blog)

Pues eso, que he decidido abrir un nuevo espacio complementario a Ecos De R'Lyeh, cansado él de ser hijo único y no tener nadie con quien salir a jugar y devorar patéticas almas humanas. Para aliviar tan solitaria situación, he puesto en marcha El Desván De Cthulhu, blog que pretendo sea más ágil y transversal que su hermano mayor, y donde dar cabida a todo el espectro de gilipolleces que abarrotan mi cabeza, ya sean cómics, películas, documentales o absurdas opiniones sobre el mundo de los humanos. No va a ser necesariamente un lugar de descargas, pero intentaré poner a vuestra disposición en la medida de lo posible (básicamente que el tiempo me lo permita) el material al que haga referencia. Está aún en construcción, poco a poco iré moldeándole un bello rostro tentacular, pero quería que arrancara lo antes posible para así no poderme echar atrás! Espero que os guste, que comentéis y que os sintáis tan en casa como en Ecos de R'Lyeh.

Y para empezar con fuerza, la primera entrada va dedicada al imprescindible documental AMERICAN HARDCORE, de Paul Rachman, que cubre el nacimiento, explosión y muerte abrupta del hardcore estadounidense, en el periodo comprendido entre 1980-1986. Con increíbles imágenes de los primeros conciertos de Bad Brains, Black Flag y Minor Threat, el documental es un apasionante viaje temporal a una de las explosiones juveniles más intensas que jamás haya visto Occidente. Muy recomendable.

Un saludo a todos, pendejos!!

MIDNIGHT - Satanic Royalty (2011)

2011-11-18T18:32:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Joder, si! Tras casi diez años esperando el debut en formato LP de este trío de Cleveland, por fin Satanic Royalty ha visto la luz, y con él puedo terminar de sacrificar vírgenes al Maligno para que escuchara mis plegarias. Y es que estamos ante uno de los secretos mejor guardados del metal underground estadounidense, una banda que ha alcanzado el status de culto merced a unos EP's, Splits y compilaciones (especialmente la devastadora Complete and Total Fucking Midnight de 2005) tremendas, y un directo espectacular al alcance de muy pocos. Liderados por el inquieto Athenar (miembro también de Terminal Lovers y ex de insignes combos como The Gates Of Slumber y Toxic Holocaust), Midnight es de las pocas bandas capaces de reunir en un mismo recinto a punks y metalheads enfervorecidos, merced a una propuesta que aúna lo mejor del black metal primigenio con himnos de sucio rock'n roll y unos solos de infarto reminiscentes de la gloriosa NWOBHM. Junto a Athenar (guitarra, bajo y voces), Midnight la completan Filey The Kid (guitarra) y Count Zigar (batería), y Satanic Royalty es todo un últimatum para poner al mundo entero a sus negros y heréticos pies.

Porque estamos ante un trabajo para mover cabezas y pies como un poseso mientras elevas al cielo cuernos, jarras de cervezas o cuerpos de niños muertos en honor a Belcebú. Mezclando en un negro caldero de pútrida y borboteante malignidad a Motorhead, Venom, la primera oleada de bandas blackers lideradas por Bathory y las guitarras pletóricas de la NWOBHM, el trío de Ohio ha invocado en Satanic Royalty una fuerza demoníaca de proporciones cósmicas, capaz de hacerte recordar entre lágrimas todo aquello que hizo grande a la música de finales de los 80. Porque con esas referencias me imagino que supondréis, y con acierto, que aquí también hay mucho thrash y punk, compañeros de viaje de aquellos primeros pasos del género metálico más diabólico que haya visto la humanidad. Las auténticas estrellas del álbum son las guitarras de Athenar y Filey The Kid, que tanto recuerdan a las de los todopoderosos Motorhead y su rock´n roll sucio y directo como se lanzan al galope con unos duelos de solos capaces de incendiar tu equipo de sonido. No esperes aquí capas de sonido, sesudas propuestas conceptuales ni ningún tipo de chorrada jipi o postrockera, porque Midnight son una banda de puto heavy/metal, sudoroso y varonil. Satán les bendiga por ello. Esto es música para reventar estadios pero sin moverse del escenario de una casa okupa, una blitzkrieg sonora que en 30 minutos exactos es capaz de dejar tras de sí ruinas humanas y cerebros licuados de puro éxtasis primario. En total 10 cortes perniciosos y adictivos como machetes roñosos empapados en heroína, que apenas llegan a los 3 minutos de duración y que no te dan ni un solo respiro en esta cabalgada directa hacia el Infierno que es Satanic Royalty. Temas como You Can't Stop Steel o Rip This Hell serán tus nuevos himnos favoritos, y solos como el del corte final Shock 'Til Blood harán que corras por el pasillo de tu casa dándole al airguitar como un quinceañero. Una lástima su corto metraje, que te deja con ganas de muchísimo más, pero cuya solución es tan fácil como ponerte el álbum en modo repeat hasta que te estalle el cerebelo. Y es que dudo mucho que te canses en lustros de escuchar una barbaridad tan gloriosa como la que se han cascado Midnight.

Es raro teniéndolo que decir de una banda como Midnight, pero se han cascado uno de los grandes debuts de 2011. Por fin la confirmación del trío estadounidense como el grupo más "true" del Universo. Y es que escuchando Satanic Royalty, uno poco menos que puede darle gracias al Maligno por habernos regalado el metal. Grandes!!!

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

MYSPACE

VILDHJARTA - Måsstaden (2011)

2011-11-17T01:27:00.002+01:00

(click en la portada para descargar)

Parece que el 2011 todavía se guardaba algún as en la manga para mayor regocijo de un servidor, siempre agradecido por las gratas sorpresas que nos regala el mundo de la música. Y es que la banda que hoy traigo a mi pútrido cubil de caos y perdición se ha cascado uno de los debuts más demoledores en años. Vidhjarta es un septeto sueco que viene a completar el Big Four de ese nuevo género acuñado por el nombre de djint metal (djint es una onomatopeya de su característico sonido de guitarra) que crearan los también suecos Meshuggah y que componen Teseract, Uneven Structure y Periphery. Con un nombre extraído de un bosque encantado de la edición sueca de Dragones y Mazmorras y unas temáticas inspiradas por el Libro de la Selva y Final Fantasy VII, no extraña la juventud de los miembros del grupo (ni que sean un pelín frikis, todo hay que decirlo). Contando con un EP previo (Omnilash) dos vocalistas, tres guitarras, efectos electrónicos y más cojones que los de un toro, su propuesta es tan acojonante que los jerifaltes de Century Media no se lo pensaron dos veces a la hora de ficharlos y editar su primer trabajo, Måsstaden.

Pues han acertado de pleno los muy cabrones, porque el fichaje no les podría haber salido mejor ni en sueños. Y es que los 50 minutos de Måsstaden son una auténtica orgía de avasallamiento sonoro, como una brigada de demolición en la puerta de tu casa, ajena a los gritos de piedad o auxilio. Pensad en unos Meshuggah puestos hasta el culo de speed componiendo temas de no más de 4 minutos, y puede que os acerquéis un poco a lo que proponen Vidhjarta. Imaginaos también a dos vocalistas cuyos registros oscilan entre los de un troll de las cavernas y un engendro del inframundo, y comprenderéis el por qué a su lado sus compatriotas parecen casi una banda de pop. A diferencia de los citados Meshuggah, Vidhjarta utiliza esos característicos riffs ultramundanos no como un fin en sí mismo, sino como un medio para acentuar una agresividad ya de por sí demencial, completamente desbordada. Y a pesar de ello, cuando quieren se sacan de la chistera unas progresiones y experimentaciones sonoras capaces de quitar el hipo, las que alimentan sus temas de metraje más elevado, pero siempre con el objetivo puesto en la total destrucción de tu córtex cerebral. Como el luchador que tiene en su repertorio todo un arsenal de fintas, ganchos y directos con el fin de noquear a su contrincante, del mismo modo el septeto sueco despliega una variedad de recursos apabullante: riffs como martillos pilones, cambios de ritmo de infarto, parones de engañosa calma, efectos electrónicos, voces de una bestialidad irreal… Y todo ello para que cuando Måsstaden estalle con su traca final, tan sólo quede de ti una arritmia mortal, unos pulmones sin aire y una expresión de asombro en la cara. Situados en algún lugar entre el deathcore y el metal progresivo, Vidhjarta reivindican su nacionalidad impregnándolo todo de la densidad y oscuridad propias del death metal sueco, aunque metiéndolo en un Delorean y mandándolo al siglo XXII (como poco). Como habréis supuesto, y hacéis bien, la pericia para llevar todo esto a buen puerto es casi sobrehumana, tanto en una sección rítmica despiadada como una monstruosa ametralladora como en unas guitarras que por muchos momentos ejercen de segunda sección rítmica, pero a la que se arrancan alardean de una esquizofrenia técnica capaz de llevarte al infarto. Como son suecos, obviaré las referencias a su sonido (da asco que todo lo que sale de allí suena tan acojonantemente bien), pero sí comentaré la total cohesión que obra entre los 13 cortes de Måsstaden, algo nada fácil cuando se juguetea tanto con la furia y la cordura, y que sólo en parte viene determinado porque estemos ante un disco conceptual. Y es que la principal razón de la bestialidad de disco que se han currado estos señores no es otra que su talento (demencial teniendo en cuenta su condición de debutantes), fruto de siete mentes dispuestas a comerse el mundo.

Estamos ante el sorpresón del año, y desde ya miembro selecto del club de lo mejor del año, sin importar lo extensa que vaya a ser esa lista en 2011. Un trabajo de una bestialidad sin par, pero que al mismo tiempo hace gala de un dinamismo y variedad de facetas casi imposibles de lograr en terrenos tan áridos como los del metal extremo. Vildhjarta no es una banda a seguir, simplemente porque ella ya te ha encontrado a ti. Y no hay escapatoria posible.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

OFFICIAL WEBSITE

ESOTERIC - Paragon Of Dissonance (2011)

2011-11-15T16:35:00.002+01:00

(click en la portada para descargar)

Que el doom no es el género más popular del vecindario es algo de sobra admitido por todo el mundo. El funeral doom, directamente, entra en la categoría de subgéneros condenados al ostracismo, puesto que para calificarlo se necesita saber de él. Operando con la libertad que otorga moverse entre las sombras, se instala en un reino que estira al extremo el ADN de su progenitor, regodeándose en estructuras infinitas, de una densidad sobrehumana, asfixiante, y pidiendo prestado al death metal su abrasividad para llevársela consigo a sus dominios abisales. Sin contar con ejércitos demasiado poderosos, su inamovible reino cuenta, sin embargo, con el gobierno de un triunvirato feroz, ultramundano e inmisericorde. Evoken, Disembowelment y Esoteric, una alineación de obligado conocimiento aunque sólo se comente entre susurros de temerosa reverencia. Turnándose como portavoces de dicho imperio, y sabiendo que cada declaración suya es Ley, en 2011 la antorcha ha pasado a manos de los británicos Esoteric, una banda que cuenta sus lanzamientos como victorias aplastantes, tan inapelables que incluso la excelencia es considerada un adjetivo insultante a la hora de referirse a ellos. Tras casi dos décadas de carrera, Paragon Of Dissonance es su sexto LP, el tercero a través del sello francés Season Of Mist, y un nuevo motivo de morboso regocijo para todos los que gustamos de beber de esas sombras que reinan en las profundidades.

A pesar de que un análisis superficial puede calificar el doom, y mucho más el funeral doom, como un género inmovilista y ortodoxo, la realidad nos habla de una dinámica sutil pero profunda, como la de los cambios que se operan en la química y morfología de un relieve masivo. Si hablamos de Esoteric ese dinamismo es aún más evidente, pues aunque las raíces siempre han estado firmemente asentadas en el interior de la tierra, su manera de erigir ciclópeas estructuras sonoras ha cambiado de un álbum a otro. Sin embargo, nada nos había preparado para un disco como Paragon Of Dissonance, que nos muestra a unos Esoteric inéditos hasta la fecha. Continuando la línea expansiva y la producción limpia de su predecesor, el monumental The Maniacal Vale (2008), el cuarteto británico ha introducido en su propuesta unas melodías y unos solos de guitarra estratosféricos (si, has oído bien, solos en un álbum de funeral!!), que por imposible que parezca hacen que el álbum transmita una extraña sensación de belleza. Retorcida, dolorosa e impulsada por los pensamientos más malsanos, pero belleza a fin de cuentas. Esoteric ya no juegan a apabullarte con el horror en estado puro, sino que su apuesta pasa por la seducción que el mal ejerce en todas las almas sin excepción, hundiéndolas en el precipicio con sus cantos de sirena. Porque el diablo es un mentiroso y un traidor sutil, no un monstruo de ultratumba. De esta conclusión nace el disco de funeral doom más accesible que jamás se haya compuesto, y por lo tanto un trabajo que trasciende las propias fronteras del género, o si se quiere las redefine, aunque dudo que otra banda sea capaz de vislumbrar siquiera las cotas que Esoteric han alcanzado con Paragon Of Dissonance. Un álbum que a pesar de su compacta masividad se vertebra sobre canciones bien diferenciadas, por extraño que parezca en un artefacto de estas característas, pero sin perder por ello ni un ápice de coherencia ni romper un hilo argumental necesario en un trabajo que se edita en formato de doble disco y se estira hasta la hora y media de duración. Muchos se asustaran al leer esto, y lo entiendo, pero la música de Esoteric no se puede analizar como si de un álbum de rock o metal al uso se tratase, ni se puede contener en los formatos que esta sociedad de consumo fácil y análisis superficial nos han impuesto. Ellos van más allá, y es la decisión de cada uno seguir sus pasos o apartarse ante su atronadora marcha. Podría intentar diseccionar los mundos que encierra cada corte del álbum, pero ni escribiendo mil párrafos podría acercarme a la complejidad de un álbum que desvela nuevos secretos con cada escucha, y que un servidor sigue descubriendo anonadado. Tan sólo diré que nadie como Esoteric han alcanzado una cópula tan estremecedora entre belleza y pura maldad grotesca, entre masividad planetaria y melodías arrebatadoras, elevando la ley dialéctica de la unidad y lucha de contrarios a la categoría de arte.

Nombrarlo mejor álbum del año o el mejor disco de funeral doom jamás compuesto sería insultar un trabajo de la talla de Paragon Of Dissonance, que se mueve a través de planos más allá de categorías tan pueriles. El tiempo coloca cada obra en su lugar, y corrobora, ajusta o directamente manda a la mierda las valoraciones que se hicieron acerca de las obras de arte nacidas en cada momento. Nunca he leído el futuro, y dudo que nadie pueda hacerlo, pero si nos aguardan tiempos mejores estoy seguro que en ellos un trabajo como éste será poco menos que reverenciado por las generaciones venideras.

NOTA: FUCKING CLASSIC!!! (+10/10)

BUY IT!!!

OFFICIAL WEBSITE

OMEGA MASSIF - Karpatia (2011)

2011-11-10T00:00:00.001+01:00

(click en la portada para descargar)

Una de las grandes satisfacciones de tener este blog es la participación de la gente que lo sigue o que da con él por casualidad, para así poder contrastar ideas, discutir y poco a poco ir puliendo detalles con el objetivo de hacer de Ecos de R'Lyeh un espacio más comodo y atractivo para todos. Y digo todo esto no para haceros la pelota (acabaré devorando vuestras almas igualmente), sino porque el disco que traigo hoy debe su aparición en mi humilde cubil de tormento y dolor a la aseveración, de una de esas personas que escribieron en los comentarios, de que aunque lo nuevo de Russian Circles era cojonudo, el último de unos tíos llamados Omega Massif era aún mejor. Controlando mi ira e indignación corrí a pegarle una escucha a susodicho disco, de nombre Karpatia, completamente confiado de que sería un truño (así soy de porfiado en mi pedestal primigenio). Mientras sonaban las primeras notas, leo sobre ellos que son un cuarteto germano de sludge/doom/post-metal formado en 2005, y que su debut Geisterstadt (2007) les colocó como una de las bandas más prometedoras del metal instrumental. Ni puñetera idea. Aún así seguía confiado. Lo nuevo de los de Chicago es demasiado bueno, joder. Pues ni por esas. A pesar de todo mi empecinamiento, no había acabado el primer corte y ya estaba rendido a los pies de Omega Massif. Durante estos días me he dedicado a degustar una y otra vez los dos trabajos de estos señores, llegando a la conclusión de que una vez más estaba equivocado (y van...). Si sirve de excusa, cuando salió el disco estaba de vacaciones, de ahí mi ignorancia. Nah... es una excusa de mierda. Concluyendo: lector anónimo, estés donde estés, GRACIAS. Satán te lo pague con un harén de fervorosas mujeres de cuero y un millón de emos muertos a tus pies.

Karpatia es el hermano mayor de Geisterstadt, todos sus elementos estirados y pulidos hasta alcanzar su máxima expresión. Las partes duras son aún más duras, la calma es más introspectiva si cabe, y los clímax alcanzan cotas de grandeza cósmica. Vamos, que es mucho mejor disco. Algo nada fácil porque su debut ya era una más que notable mixtura de estructuras post-rockeras, pesados mantras reminiscentes del doom y una textura de lija que bebía inconfundiblemente del sludge. Si alguna banda puede ser merecedora de la expresión "puño de hierro en guante de terciopelo" esos son Omega Massif, pues es complicado emular los niveles de masividad sonora que maneja el cuarteto, pero al mismo tiempo creando auténticas estructuras en espiral que devienen en espectaculares catársis de una épica totalmente desbordada. Sin necesidad de alardes técnicos que sólo estorbarían en una propuesta de esta calaña, los germanos anteponen el andamiaje sobre el decorado, deviniendo en una fuerza de la Naturaleza que gana por goleada merced al empuje de su tonelaje sobrehumano, y que además convence con su juego, directo pero al mismo tiempo de una belleza pura, sin adulterar, libre de artificios. No es extraño que en todas las portadas de sus trabajos, tanto LP's como Splits, elijan siempre formaciones rocosas, pues su música es lo más cercano a una montaña que se pueda imaginar. Puro granito, capaz de tocar el cielo, pero al mismo tiempo con una base masiva, descomunal e impenetrable. Inamovible pero a la vez salvaje. Tosquedad y crudeza que se convierten en belleza solemne. 7 cortes como montes que estallan entre vómitos de lava, fría melancolía rota por ardientes fumarolas de rabia primaria, eso es lo que ofrece Karpatia. Desde los desarrollos catárticos de Aura o I'm Karst a la tectónica infinita de Ursus Arctos, todo lo ofrecido por Omega Massif roza la perfección absoluta, la clarividencia de quien se sabe dueño de un sonido, de una propuesta, que no conoce a nadie mejor que ellos para cabalgarla.

Lo siento por Russian Circles, pero la corona este año pertenece a Omega Massif. Y es que Karpatia es un álbum descomunal, con la dureza de la roca y el brillo deslumbrante de los cristales que la conforman. A sus pies.

NOTA: 10/10

BUY IT!!!

OFFICIAL PAGE

PD: Su primer y muy recomendable disco, Geisterstadt, está en libre descarga a través de su sello. Enlace: http://www.denovali.com/omegamassif/

RUSSIAN CIRCLES - Empros (2011)

2011-10-26T13:38:00.000+02:00

(click en la portada para descargar)

Hace poco comentaba con alguien lo difícil que este año se iba a poner elaborar la lista de los mejores discos del año, por la cantidad de grandes álbumes que han aparecido. También le decía que lo más frustrante era intentar ordenarla y que en cuestión de días volara por los aires con la salida de un nuevo discazo. Pues ha vuelto a ocurrir, y ojalá todos los problemas en la vida fueran así de placenteros. El cuarto álbum de Russian Circles era otro de los grandes nombres en la abultada lista de los discos más esperados de 2011, y con razón. Porque en el cada vez más saturado panorama del post-rock, donde la mayoría de bandas se limitan a repetir la misma manida fórmula hasta la extenuación o el sopor (lo que te sobrevenga antes), el trío de Chicago brilla con luz propia merced a una carrera caracterizada por la búsqueda de nuevas vías y sonoridades con las que dar cuerpo a una personalidad propia. Discos como Station (2008) y Geneva (2009) nos hablan de una formación no sólo inquieta, sino con demasiado fuego interno como para conformarse con los templados rescoldos de placidez que tanto gustan a los grupos del género. Esta tendencia hacia una música más pesada y enérgica se vio claramente en Geneva, uno de los mejores discos de su año. La entrada de Brian Cook como bajista en sustitución de Colin DeKuiper tuvo mucho que ver en esto, pues su labor en el álbum (con una presencia mayor y un sonido gordísimo) fue una de las claves de la grandeza del mismo. Tan sólo dos años después el trío regresa con el álbum que les puede aupar definitivamente al trono de un género necesitado de aire fresco.

Empros es la culminación de una búsqueda, la confirmación de que con valentía, esfuerzo y talento los resultados llegan. Sin necesidad de rupturas bruscas y a través de una evolución basada en la coherencia, el trío estadounidense nos presenta un álbum que es la continuación lógica de Geneva, pero subiendo un peldaño más en su búsqueda de la excelencia. Y es que creo no equivocarme al calificar Empros como el mejor disco de Russian Circles hasta la fecha. Nunca estos tres señores me habían sonado tan compenetrados, haciendo especial mención al trabajo espectacular que lleva a cabo el guitarrista Mike Sullivan. Porque si en Enter y Station todas las medallas fueron para la batería volcánica de Dave Turncrantz, y en Geneva fue Brian Cook el que nos dejó boquiabiertos con su labor a las cuatro cuerdas (hablamos de un ex-Botch actualmente en These Arms Are Snakes, señores), en Empros vemos explotar todo el enorme potencial de Sullivan para moverse por diferentes planos sonoros con una facilidad pasmosa. Riffs duros como el infierno, melodías preciosas y pasajes de minimalismo evocador trabajando unidos en favor de unas composiciones redondas, que sintetizan lo mejor que el post-rock puede aún ofrecer a nuestros saturados oídos. Manteniendo con maestría su don para manejar los momentos más bellos y reposados, Russian Circles han apostado por endurecer sus partes más enérgicas, hasta tal punto que Empros podría considerarse tanto un disco de post-rock como de post-metal. En temas como las iniciales 309 o Mlàdek, donde la sección rítmica suena más alta y más gorda que nunca acompañando los riffs furiosos de Sullivan, es imposible no pensar en bandas como Intronaut o Pelican. Esto no significa que el trío se hayan perdido en tierra de nadie, sino más bien que se han zambullido en un océano que bebe de ambos afluentes por igual. Algo que hace grande a la banda es que independientemente del álbum de ellos que estés pinchando, reconoces su sello inequívoco, lo que habla de su personalidad y de una coherente asimilación de los cambios incorporados. Es lo que le viene a la mente a uno cuando escucha Atackla, uno de los grandes cortes del álbum. A pesar del endurecimiento del sonido, sabes que estás ante una composición marca de la casa, soberbia a la hora de manejar los ritmos, los reposos cercanos al shoegaze y esa explosión final de energía capaz de ponerte los pelos de punta. La gran sorpresa viene con el corte final, Praise Be Man, en el que por primera vez en su carrera incorporan voces. Que nadie se asuste, porque éstas operan en un segundo plano, como un efecto sonoro más, y se adaptan perfectamente a una canción preciosa y cargada de psicodelia. Empros suena maravillosamente bien, algo que hay que agradecer al productor Brandon Curtis (bajista, teclado y voz de los muy recomendables The Secret Machines), que ya trabajara con ellos en Geneva. Resumiendo, Empros es el desenlace de uno de los viajes más interesantes al que hemos asisitido en los últimos años. Viendo cómo se las gastan los de Chicago seguro que no tardarán en plantearse nuevas metas y destinos, pero hasta entonces seguiremos disfrutando de una de las discografías más excitantes de este nuevo siglo.

Empros es la confirmación definitiva del estado de gracia en el que viven instalados Russian Circles, y aunque parecía difícil otro ejercicio de autosuperación que le coloca como su mejor trabajo hasta la fecha y en consecuencia el mejor ejercicio instrumental de 2011. Gracias por existir.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

OFFICIAL SITE

SCOTT H. BIRAM - Bad Ingredients (2011)

2011-10-21T02:13:00.001+02:00

(click en la portada para descargar)

Mientras lanzaba a los cuatro vientos mi aseveración de que el nuevo disco de Sólstafir era el mejor álbum de rock de 2011, una extraña sensación de inquietud invadió mi estado eufórico, siendo incapaz de dilucidar su origen. Entonces me acordé de un pedido, un pequeño paquete, que en esos momentos estaría cruzando el Atlántico en dirección a mi humilde morada. Un desagradable sudor frío comenzó a recorrer mi cuerpo, ante la perspectiva de haberme adelantado en una sentencia que tal vez tendría que comerme con patatas. El paquete llegó al día siguiente, y en él me esperaba un disco, aparentemente inofensivo, pero con el potencial de mil bombas nucleares. Bad Ingredients, el nuevo trabajo de Scott H. Biram. Séptimo álbum de estudio (cuarto para Bloodshot Records) del denominado secreto mejor guardado del blues estadounidense, otro capítulo más en el transitar vital y compositivo de un genio injustamente relegado al underground, y cuya vida, en la mejor de las tradiciones dentro de un género maldito, está marcada por los excesos y las desgracias. Sin embargo, la mayor de ellas (ser atropellado en un accidente gravísimo por un camión) le sirvió para renacer con unas energías inusitadas que se refrendaron en esa maravilla de álbum llamado Something's Wrong/Lost Forever (2009), del que ya di cuenta en Ecos de R'Lyeh. Dos años después el texano vuelve a la carga con otra colección de canciones que ojalá le consagren como lo que es, uno de los country bluesman más grandes del país de las barras y estrellas.

Una vez escuchados los 13 cortes que componen el trabajo, ya no tengo dudas de a quién pertenece ese trono. Nada fácil teniendo en cuenta que se trata de un músico principalmente de directo, con más de una década de carrera a sus espaldas y unas maratones que le llevan a girar una media de 300 días al año. Y con todo eso a sus espaldas, el cabrón se mete en sus estudios caseros con su destartalada Gibson del 59 y no sólo se casca el mejor trabajo de su discografía, sino uno al que muchos críticos especializados del blues y el country califican sin miedo cómo el mejor álbum de lo que vamos de siglo. Razones no les faltan, pues estamos ante una obra redonda, elctrizante, versátil como muy pocas y que a pesar de lo profundo de sus raíces suena actual y fresca a rabiar. Sacrificando la rudeza punk de su anterior trabajo, Bad Ingredients gana en el cómputo global por una mayor gama de tonalidades e influencias que hacen de cada corte una capítulo diferente, pero perfectamente integrados en el sólido hilo argumental que estructura el disco. La labor de Biram a la guitarra sigue siendo espectacular, fiel a ese estilo añejo en el que los detalles técnicos arden bajo el fuego abrasador de la pasión, electrocutando con cada acorde a tus pobres neuronas, y haciéndote mover los pies a su puto antojo. Respecto a la variedad estilística, es fascinante la forma en la que este señor hace un repaso a la música tradicional estadounidense haciendo de cada tema un jodido hit sin desinflarse en ningún registro. ¿Que quieres blues sucio y punkarra? Ahí tienes Dontcha Lie To Me Baby. ¿El lado más emocional del country? Broke Ass será tu canción de días lluviosos. ¿Tradición? Pocos temas encontrarás con raíces más añejas que Memories Of You Sweetheart. ¿Canción carcelaria, tal vez? Born In Jail es un temón como la copa de un pino.¿Innovación? Pues ahí llega Victory Song, una canción que nunca te esperarías de Biram, pero que más allá de la sorpresa es una barbaridad compositivamente hablando, y uno de los hits del año, simple y llanamente. No puedo pasar por alto la cuestión del sonido, pues es increible cómo con unas herramientas de grabación de la primera mitad del siglo XX se es capaz de confeccionar un disco como Bad Ingredients, tradicional y actual a partes iguales. Eso y que este hombre se lo guisa y se lo come casi todo solo, a excepción de algunas colaboraciones muy puntuales (como la del saxofonista Walter Daniels en el genial boogie/blues de I Want My Mojo Back). Resumiendo, Scott H. Biram ha desarrollado un concepto que parecía impensable antes de él: el blues del siglo XXI. La tradición fusionada con la rabia y el alma del punk. No me extraña que sus conciertos se llenen de esa irreal mezcolanza de rockers, rednecks, punks y metalheads. La buena música, la genial, traspasa cualquier prejuicio o frontera, y eso es exactamente lo que tenemos en Bad Ingredients. Una obra maestra de las que no entienden de nada más que su propia valía.

Junto a lo nuevo de Sólstafir, el gran disco de rock del año. Bad Ingredients es atemporal como el arte más sublime. La tradición musical norteamericana en su máxima expresión, pero con un interior que arde con la energía del siglo XXI y sus nuevas generaciones. Puñetera gozada, joder.

NOTA: FUCKING CLASSIC!!! (+10/10)

BUY IT!!!

OFFICIAL HOMEPAGE

SÓLSTAFIR - Svartir Sandar (2011)

2011-10-19T01:38:00.000+02:00

(click en la portada para descargar)

Ya tenemos entre nosotros otro de los discos más esperados de 2011, al menos para un primigenio servidor. No es para menos, pues considero a Sólstafir una de las bandas más talentosas y especiales del panorama musical actual. Y digo lo de musical, sin entrar en etiquetas, porque hace tiempo que el cuarteto islandés dinamitó cualquier intento de encorsetar su propuesta dentro de un género concreto. Desde que comenzaran su andadura allá por 1995 moviéndose a través de un sonido muy deudor del black metal, muchos han sido los cambios que éste ha ido sufriendo hasta llegar a un punto en el que la banda tan sólo puede compararse consigo misma, una hazaña al alcance de pocas formaciones. Con Masterpiece OfBitterness (2005) ya demostraron que la nueva senda emprendida, más afín al universo post y el progresivo, era todo un acierto amén de la elección correcta a través de la cual desarrollar todo el talento del cuarteto. Su tercer largo, Kold (2009), además de otro disco soberbio, era la constatación de que no había marcha atrás, tratándose de un trabajo que profundizaba aún más en esos elementos puramente rock y progresivos, acercándoles más a My Bloody Valentine o sus compatriotas Sigur Rós que a cualquier banda metálica, a excepción de Neurosis o Cult Of Luna. A pesar de lo poco prolífico de la formación (4 discos en 16 años), tan sólo hemos tenido que esperar dos para poder disfrutar de otra nueva obra de orfebrería de estos voceros del invierno islandés. Y si esto no fuera poco, encima es un doble disco, con dos cojones.

De nuevo estamos ante un disco al que es muy difícil describir con palabras o circunscribir dentro de géneros concretos, ni siquiera dentro de una amalgama de ellos. Con Sólstafir no funciona así, y Svartir Sandar no iba a ser una excepción. Y es que sorprendentemente han vuelto a dar otro giro a su sonido, sólo que éste se percibe más en el plano sensorial que en el racional. Sí, éste es un álbum mucho más experimental que cualquier otro que hayan parido, pero siguen siendo ellos. Continúan mostrándose intratables cuando se mueven en esos terrenos de heladora épica emocional, pero parecen una formación diferente. ¿Contradictorio? Pues sí, pero como decía Hegel, el Universo es unidad y lucha de contrarios. Exactamente eso es lo que encontramos en Svartir Sandar, un Universo propio lleno de elementos que se enfrentan, colisionan con una fiereza aterradora, pero dando como resultado un todo cohesionado, infinito y único. Siguen maravillando los islandeses por su manera de evocar galaxias a través del minimalismo más austero, algo que les emparenta con Burzum, aunque las similitudes acaben ahí, ya que las herramientas utilizadas para tal fin discurren por caminos muy diferentes. Sin embargo, no es el ascetismo sonoro la única arma en el arsenal de Sólstafir, algo que se comprueba fácilmente a través del monumental metraje de su nuevo álbum. Una hora y veinte a través de la cual asistiremos a arrebatos de furia desgarrada a cargo de ese sifón emocional que responde al nombre de Aðalbjörn Tryggvason, momentos de vulnerable intimismo reminiscente de los mejores My Bloody Valentine, pasajes de infinitas progresiones que a buen seguro fascinarán a más de un miembro de Neurosis o riffs muy cercanos al rock independiente. Pero si de similitudes hablamos, la más evidente (aunque ya digo que es meramente orientativo) es la que les acerca a sus compatriotas Sigur Rós. No tanto por la propuesta músical, aunque hay puntos de unión, sino por esos trazos sonoros que pintan un cuadro de vastas y preciosas extensiones heladas capaces de calarte el alma, y al mismo tiempo interrumpidas ocasionalmente por convulsas erupciones de fuego abrasador. Como si su intención fuera describir Islandia con notas musicales, Sólstafir deviene en Svartir Sandar en toda una fuerza elemental de la Naturaleza, aparentemente anárquica y destructora, pero que al posarse las cenizas deja a la vista el paisaje más fértil y exuberante imaginable. Imposible que no se le ericen a uno los pelos del cuerpo con la épica arrebatadora de Fjara (la hubieran firmado los mismísimos Radiohead), con el arranque electrizante de Þín Orð (un corte muy cercano al post-metal) o el clímax rockero del tremendo tema final, Djákninn. He oído ciertas críticas respecto al segundo disco que compone Svartir Sandar y el exceso de metraje que supone. Sinceramente no comparto esas opiniones en absoluto. En mi opinión el metraje es excesivo cuando las composiciones no dan la talla. Os aseguro que no es el caso. Y es que hablamos de que en esa segunda vuelta se incluyen joyas como la mencionada Djákninn o Svartir Sandar, en la que el cuarteto vuelve a retorcer la atmósfera heladora del black metal llevándola a su terreno de manera magistral. Yo al menos no querría perderme por nada del mundo esa faceta exploratoria y arriesgada de Sólstafir. Porque cada disco de los islandeses es una invitación a imaginar, a dejarse seducir por visiones nuevas y sugerentes, dejando a un lado ideas preconcebidas, prisas o prejuicios. Si eres capaz de hacerlo, Sólstafir serán tu banda de cabecera para siempre. Y serás feliz, muy feliz. Resumiendo, estamos ante otra obra maestra de incalculable (e inclasificable) valor, a cargo de una banda que tan sólo por su personalidad y autenticidad debería ser declarada patrimonio de la UNESCO.

Svartir Sandar es el mejor disco de rock del año, aunque en realidad habría que inventar una liga nueva para que hiciera justicia a la carrera de una banda que va camino de convertirse en leyenda. Yo ya estoy tallando un altar para ellos en mi habitación...

NOTA: FUCKING CLASSIC (+10/10)

BUY IT!!!

SÓLSTAFIR.NET

TAAKE - Noregs Vaapen (2011)

2011-10-13T00:57:00.000+02:00

(click en la portada para descargar)

La espera ha tocado a su fin, y ya tenemos entre nosotros el esperadísmo nuevo álbum de los noruegos Taake. La banda, o más bien el proyecto de ese genio que responde al nombre de Hoest, encara con Noregs Vaapen su quinto álbum de estudio, desde que comenzaran su andadura allá por 1993 bajo el nombre de Thule (1993-1995). Casi 20 años de carrera en las que Taake ha destacado como uno de los grupos más en forma de una escena, la noruega, que ha visto cómo la hegemonía del género se le escapaba de las manos en favor de países como Francia o los Estados Unidos, hoy abanderados del black metal del siglo XXI. Conscientes de ello, la formación nórdica supo desde un principio conjugar con maestría las raíces musicales del black metal noruego con otras influencias, como la pulcritud y técnica del heavy metal o los riffs contundentes de Black Sabbath, que les hicieron granjearse el respeto tanto de la vieja guardia como de las nuevas generaciones de fans. Obras maestras como Over Bjoergvin Graater Himmerik (2002) o Hordalands Doedksvad (2005) hablaban de una banda que encaraba el cambio de siglo tocada por la varita mágica de la excelencia, a pesar de los gritos estériles del sector más inmovilista y fosilizado de la escena. Su debut autotitulado de 2008 se vio como un ligero paso atrás, más por el impresionante nivel al que nos tenían acostumbrados que porque áquel fuera un mal disco, que no lo era. Consciente de ello, Hoest ha esperado tres años para pulir las composiciones y sonido de su nuevo ataque frontal a nuestras cervicales, dispuesto a reclamar un trono que por discografía siempre fue suyo.

Si algo ha caracterizado a Taake en sus casi dos décadas de historia ha sido una constante inquietud y ganas de cambio, así como una tremenda valentía para llevarlas al terreno de los hechos en un género plagado de ortodoxia e integrismos. Noregs Vaapen no es una excepción, volviéndonos a encontrar con una demoledora amalgama de tradición e innovación empaquetada en nueve cortes de una excelencia compositiva insuperable. El frío cortante e hiriente propio del black metal primigenio está ahí, pero conviviendo con unos solos heavies de infarto, y unos riffs para que te lances como un poseso a hacer headbanging. Las melodías son otra parte inseparable de la propuesta de los noruegos, una de las claves de que la música de Taake sea irresistiblemente adictiva, y por qué no decirlo, accesible. En un estilo, el del metal underground en general, en el que esa palabra es poco menos que una herejía, Noregs Vaapen abraza con total honestidad el verdadero significado de la misma, que no es otro que llegar con su música al mayor número de oídos posibles, sin que por ello se queden por el camino ni su actitud ni sus principios. Y es que ya les gustaría a la mayoría de amantes de los sonidos sucios y el black punkarra (que generalmente oculta la ausencia total de talento) acercarse siquiera un ápice a la calidad compositiva de la que hace gala el señor Hoest. De nuevo volvemos a encontrarnos con un álbum de guitarras, en el que la labor del noruego a las mismas es el eje vertebrador de todos los demás elementos del disco. Sin miedo a abrazar los postulados del black'n roll que ellos mismos ayudaron a escribir, los 46 minutos de Noregs Vaapen son una incitación constante a dejarte las cervicales en su escucha, con unos riffs muy sabbathicos pero que no pierden de vista la afilada mordiente de las raíces del black metal. Y para todos aquellos que les tachan de poco menos que traidores, ahí estan las colaboraciones de leyendas como Nocturno Culto, Attila Csihar o Demonaz para callar sus ignorantes bocas. Pero sabedores de que la mejor manera de honrar al pasado es mirar al futuro con valentía, Taake vuelven a introducir nuevos elementos en su música, en este caso en la forma de instrumentos como la mandolina, el mellotron y el banjo (el solo que se casca Hoest en Myr es bestial!!). Tampoco hacen ascos a la inclusión de samplers, que unido a una producción soberbia (ni sucia ni sobreproducida, simplemente en su punto) dotan al conjunto de un sonido y contundencia espectaculares. Difícil se me hace resaltar un tema sobre otro, ya que los 7 son auténticas maravillas, así que directamente os emplazo a que los escuchéis y elijáis por vosotros mismos. Las palabras se me quedan cortas para describir la redondez de un álbum como Noregs Vaapen, así como los agradecimientos por la existencia de una banda con el talento y los cojones de estos tíos.

Taake lo ha vuelto a hacer, demostrando con Noregs Vaapen que la decadencia tan sólo ataca a los inmovilistas. El disco de black metal del año sin ninguna duda, que trasciende los propios límites del género enarbolando todo lo que hace grande al metal en su conjunto. Contundencia, brillantez compositiva, gancho, y unos riffs para romperte el cuello. Otra paso más en una carrera de escándalo.

NOTA: 10/10

BUY IT!!!

TAAKE'S OFFICIAL WEBSITE

PULLING TEETH - Funerary (2011)

2011-10-11T14:49:00.000+02:00

(click en la portada para descargar)

Hoy os invito a adentraros en los furiosos dominios del hardcore, un género que aunque no se caracteriza por su versatilidad ni heterodoxia, de vez en cuando nos regala discos capaces de tirarte de una patada al suelo y dejarte con la boca abierta. Es el caso del nuevo álbum de Pulling Teeth, un quinteto de Baltimore que en muy pocos años se ha situado como una de las mejores bandas de harcore metalizado del planeta. Formados en 2005, este grupo compuesto por ex-miembros de Slumlords, The Spark, Desperate Measures y Never Enough ha hecho gala de un nivel de actividad tremendamente alto, con cuatro álbumes y varios splits ya a sus espaldas. Su debut con Vicious Skin (2006) no pudo ser más exitoso, y sus escasos 14 minutos de metraje fueron suficientes para que aquel trabajo fuera reconocido como una de las grandes sorpresas de aquel año. Tan sólo un año después vio la luz Martyr Immortal (2007), su auténtica consagración y un demoledor álbum rebosante de mala hostia que bebía de los grandes grupos de los 90, especialmente de los titanes Integrity. Paranoid Delusions/Paradise Illusions (2009), su tercer álbum de estudio, fue visto como un pequeño paso atrás por parte de la crítica y los fans, aunque se trataba de un disco notable y mostraba a una banda dispuesta a experimentar para no quedarse estancada. A pesar de la calidad del álbum, si se notaba que los nuevos elementos incorporados, como la bajada de las revoluciones o la inclusión de guitarras acústicas y efectos electrónicos, todavía debían ser interiorizados por el grupo dentro de un todo más cohesionado. Por todo ello, las expectativas respecto a Funerary no eran pequeñas, y la gran duda era si el quinteto norteamericano se decantaría por la furia de sus primeros álbumes o la experimentación de su último trabajo.

Una vez escuchado el disco mil y una veces con deleite durante todo el verano, puedo decir que ambas facetas del sonido de Pulling Teeth conviven en su nuevo trabajo, sólo que remando en la misma dirección y conformando un conjunto compacto y coherente. Tanto que han dado como resultado uno de los mejores discos de hardcore que recuerdo en mucho tiempo y, junto a lo nuevo de Harm's Way, de lejos lo más demoledor que el género ha alumbrado en 2011. Dividido en dos partes bien diferenciadas y que corresponden a las caras A y B del vinilo, Funerary brilla en la primera con toda la furia primigenia que tan grande ha hecho a estos tíos. Misiles como las iniciales From Birth o Extinction son de los que no cogen prisioneros, y en los que además de las influencias de las grandes bandas de metalcore de los 90 se pueden advertir otras como las de los todopoderosos Slayer. El trabajo a las seis cuerdas de Dom y Mitchell es espectacular, siendo capaces de lanzarse como posesos en cabalgadas thrash, parir solos de escándalo y ya en la segunda parte de Funerary, liberar sus alas en forma de riffs muy cercanos al doom a la vez que experimentar con toda una gama de tonalidades melódicas. Volviendo a la propuesta de los siete primeros cortes, éstos no dan ni un momento de respiro (exceptuando la intro A Bitter Harvest), con metrajes que en ningún caso llegan a los 3 minutos y en los que nos recuerdan tanto a los primeros Integrity como a los Converge más despiadados. Sólo por esto ya estariamos hablando de un disco sobresaliente, a cargo de una banda que como pocas se lanza a la batalla con el machete entre los dientes, pero es que en Funerary la furia y la inmediatez son sólo el aperitivo de un banquete mucho más fastuoso. Porque con el corte que da nombre al disco y sus 10 minutos de duración, todos los esquemas e ideas preconcebidas estallan en mil pedazos. Un tema lentísimo y oscuro como una noche sin estrellas, de ambiente catedralicio y que suena a una extraña cópula entre Om y Neurosis rodeada de enfermizas voces de ultratumba. Los 7 minutos de At Peace no descolocan menos, encontrándonos con una canción bestial que se nutre de un riff pesado, maligno y 100% sabbathico, con la desquiciada voz de Mike Riley acompañada por la de Kyle Durfey de Pianos Become The Teeth, todo un acierto que convierte el conjunto en un tema intenso y con una épica brutal. Muchas son las colaboraciones en el apartado vocal, y a lo largo del álbum aparecen con mucho acierto las a portaciones de gente como Alex de Skin Like Iron, Justice Tripp de Trapped Under Ice, Jeff Beckam de Haymaker o Nick Brewer de las leyendas Pale Creation. Whispers continua con la orgía de sorpresas, configurando otro tema de escándalo con unos grandiosos coros limpios y un solo final de guitarra capaz de poner los pelos de punta. Waiting es otro de los puntos álgidos del disco, con ecos de los Melvins y un coro ultramelódico que lejos de conducir al desastre encaja a la perfección en otra canción para enmarcar. El disco se cierra con Aug 29, llena de belleza y en la que se conjugan pasajes de spoken word con arranques de furia 100% Pulling Teeth, deviniendo en el broche final de un disco genial e inclasificable.

Tal vez sea pronto para decirlo, pero con Funerary puede que Pulling Teeth hayan parido uno de esos discos capaces de marcar una época, como hicieron en su momento sus idolatrados Integrity con Those Who Fear Tomorrow. Lo que si es seguro es que nos encontramos ante el que de largo es el mejor álbum de hardcore de 2011.

NOTA: 10/10

BUY IT!!!

PULLING TEETH @ MYSPACE

ENSORCELOR - Crucifuge (2011)

2011-10-11T00:31:00.005+02:00

(click en la portada para descargar)

2011 nos sigue regalando sorpresas, que unidas a los lanzamientos de los grandes nombres están haciendo de este año uno de los más fructíferos que recuerdo. Mi intención era reseñar albumes como los de Wolves In The Throne Room o Machine Head, que tenía pendientes a causa de las vacaciones, pero tal ha sido la impresión que me ha causado el disco que hoy traigo a Ecos de R'Lyeh, que me he decantado definitivamente por este tremendo debut a cargo de una banda con un futuro espectacular por delante. Ensorcelor es un joven quinteto canadiense, más concretamente de Montreal, formado hace tan sólo un par de años. Con las ideas muy claras y tan sólo un año después de su nacimiento, el grupo saca su primer material a la calle en formato EP (aunque realmente fue grabado en 2009, lo que añade aún más mérito al asunto). Se trataba del fantástico Urarctica Begins (2010), una rabiosa mezcla de sludge, doom y black metal que tampoco hacía ascos al atmosférico de corte más oscuro, y que recibió muy buenas reseñas por parte de la crítica especializada. Con una efervescencia creativa que parece no tener límites, ese mismo año graban lo que será su debut en formato LP, Crucifuge, y que ha tenido que esperar a 2011 para ver la luz a través de Media Tree Recordings (en Europa distribuye Psychic Assault).

Lo primero que llama la atención de su primer larga duración es eso, su denominación como tal. Porque su duración es menor que Urarctica Begins y tiene menos canciones. Curioso, aunque en géneros como el doom y el black atmosférico estas líneas divisorias pierden bastante su sentido. Y es que Crucifuge se estructura alrededor de dos mastodónticos cortes, By Mycomancy Insumed y Crucifuge, donde el primero alcanza los 15 minutos y el segundo se estira hasta los 20, correspondiendo a las caras A y B del formato vinilo en el que ha sido editado. Centrándonos en lo musical, nos encontramos con una banda que en muy poco tiempo ha dado tremendos pasos adelante, además de incorporar a su sonido toda una serie de nuevos elementos. Porque no sólo nos encontramos con unas composiciones más compactas y homogéneas, sino que éstas transcurren por sendas diferentes a las abiertas por su primer EP. Bajando el pie del acelerador (que tampoco el coche viajaba en quinta, todo sea dicho), Ensorcelor hacen hincapié (con todo acierto) en una lentitud que les acerca aún más al doom y que acentúa unas composiciones creadas para quedarse talladas en tu alma a base de lentos e inmisericordes martillazos. Por otro lado, el lado blacker de la formación se mantiene en plena forma, lo que unido a una mayor presencia de elementos atmosféricos te hará sentir desnudo y perdido en mitad del crudo invierno canadiense, calado hasta los huesos y rodeado de una oscuridad impenetrable. Puro deleite para nuestros impíos oidos, vamos. Otro de los aspectos que hace excelso a este disco es la maravillosa presencia de unas melodías que visten a la bestia con ropajes de raído terciopelo, impregnando Crucifuge de un halo de retorcida belleza atemporal que por momentos puede recordar a los primeros My Dying Bride. La forma en la que fluyen los dos cortes es algo que también me ha sorprendido sobremanera, ya que por estructura se asemejan mucho a los esquemas de un género aparentemente lejano como es el universo post. Y es que nos encontramos ante dos edificaciones inmensas, de dimensiones ciclópeas y formas imposibles, que comienzan desplegándose con exasperante lentitud mientras van incorporando capas y capas de sonoridades, añadiendo peso a un armazón que según transcurren los minutos se eleva sin límite bajo un cielo sin estrellas, para acabar explotando en un final catártico, intenso y genial. Especialmente remarcables son los tres minutos finales de Crucifuge, en el que palabras como energía, emocionalidad y épica cobran nuevo significado, y que a un servidor le han puesto literalmente los pelos de punta. Haciéndote olvidar el reloj y los esquemas preestablecidos, los canadienses han parido un trabajo que te mantendrá atrapado por sus detalles, mil tonalidades que convergen en un negro absoluto, hambriento, que devorará tanto tu atención como tu alma en un maelstrom de malsanas energías, y en el que su indudable belleza es otro recordatorio de que la oscuridad no tiene por qué ser monopolio de la rabia y la bestialidad. Poco más que añadir a una obra soberbia y arrebatadora, con una capacidad para emocionar del que pueden hacer gala muy pocos discos hoy día.

En un año lleno de triunfos, Crucifuge se ha ganado un puesto entre lo mejor de 2011 con un disco que más allá de géneros como el black metal o el doom, tan sólo puede definirse en base a las sensaciones que despierta. Capaz de calarte hasta el tuétano, Crucifuge es el Invierno encerrado entre surcos de vinilo.

NOTA: 9,5/10

BUY IT!!!

ENSORCELOR @ BANDCAMP

THE ATLAS MOTH - An Ache For The Distance (2011)

2011-10-06T13:58:00.000+02:00

(click en la portada para descargar)

Antes de nada quiero saludaros a todos los que seguís el blog, tras un mes de ausencia disfrutando de unas maravillosas vacaciones en China. Ya con las pilas cargadas, y algo abrumado por la cantidad de grandes discos que han sido publicados en el mes de Septiembre, vuelvo a coger las riendas de mi humilde cubil de malignidad (gracias por cuidármelo, pendejos!). Y en mi línea, no lo voy a hacer con ningún disco de los que más han dado que hablar, sino con una banda de esas consideradas de segunda línea, pero que estoy seguro que con este álbum van a dejar a muchos con la boca abierta. The Atlas Moth es una banda de sludge de Chicago formada en 2007, con el ex-Twilight Stavros Giannopolous a las voces y guitarra. Tan sólo un año después de su nacimiento el quinteto lanza el notable EP Pray For Tides, estupenda carta de presentación que les abre las puertas para que en 2009 vea la luz su debut con Candlelight Records, A Glorified Piece Of Blue Sky. Aquel disco se coló como uno de los mejores y más sorprendentes debuts del año, merced a una valiente propuesta en la que el sludge más abrasivo era fusionado con sintetizadores, marañas sónicas a cargo de tres guitarras y una variedad de registros vocales nada habitual en un disco de esas características. Girando sin descanso y a sabiendas de contar con un gran álbum a sus espaldas, The Atlas Moth se fue granjeando una nada despreciable base de fans dentro del underground estadounidense, lo que les valió fichar por Profound Lore Records, probablemente el sello metálico más insigne de Norteamerica (el sello es canadiense).

Una vez situados, vamos a lo importante. Siendo claros, An Ache For The Distance es un trabajo acojonante, imaginativo y tremendamente valiente. Adscribiéndose a la tónica general de Profound Lore, The Atlas Moth presentan un disco al que es muy difícil encorsetar en un género concreto debido a su enorme transversalidad. Porque aunque las furiosas raíces sludge están ahí, los aleteos del quinteto les han llevado tan lejos y a paisajes tan diferentes que sería todo un error incluirles en el saco de formaciones como Sourvein, por poner un ejemplo. Y es que todo lo que se intuía en A Glorified Piece Of Blue Sky está aquí consolidado, aumentado y mejorado. Mientras que en aquel las deudas todavía eran más que evidentes, en An Ache For The Distance nos encontramos con una criatura libre tras romper su capullo (siguiendo la línea del nombre de la banda...), y que se adentra sin temor en una variedad casi inagotable de sonoridades e influencias para conformar su actual estado vital. Obrando como genetistas locos en su propio organismo, los estadounidenses han añadido a un genoma repleto de doom, sludge y post-metal toda una serie de hélices provenientes de la psicodelia más oscura, el universo post en su totalidad (rock y punk), el krautrock e incluso unas líneas de guitarras que por sus melodías miran directamente al indie. Respecto al trío de guitarras, hay que destacar que lejos de ser una fanfarronada o algo estéril (lo que suele ocurrir la mayoría de veces), en este caso nos encontramos ante una simbiosis perfecta que da como resultado una intrincada estructura de sonoridades capaz de seducir y atrapar tu atención sin remedio, y que a pesar de la oscuridad reinante a lo largo de los 9 cortes que componen el álbum, irradian una extraña sensación de belleza. Algo que viene apoyado por las voces limpias de David Kush, más presentes aquí que en su debut de hace dos años, y que sin caer en el recurso fácil ni en los estereotipos, se integra perfectamente en el tapiz sonoro de la banda, expandiendo aún más unas fronteras que se antojan inalcanzables para el común de los mortales. Pero si de voces hablamos, la verdadera estrella es ese animal que responde al nombre de Stavros Giannopolous, cuya labor a lo largo del álbum es simplemente soberbia. Iracundo, desquiciado, inmenso y con un registro muy personal, su aportación es capaz de ponerte los pelos de punta, amén de complementarse impresionantemente con su compañero dando como resultado una gama cromática muy difícil de alcanzar por cualquier otra banda. El mayor logro de An Ache For The Distance es la manera en que integran toda esa miríada de influencias en un todo compacto y coherente, y que lejos de agotar la pobre mente del oyente, se alza como una obra tremendamente adictiva y accesible, toda una hazaña teniendo en cuenta los parajes de procedencia de estos señores. Desde el inicio con esas maravillosas guitarras de Coffin Varnish, pasando por el piano y las influencias del Este en Gemini a la final y desquiciada Horse Thieves, tendrás la sensación de que te encuentras ante algo muy especial, único y que una vez te enganche es muy difícil que te suelte a lo largo de esta espectacular travesía de 45 minutos. Poco más puedo añadir ante una obra soberbia, de lo mejorcito que he escuchado este año.

The Atlas Moth han conseguido encontrar su identidad, su lugar, en un Universo multifacético habitado tan sólo por ellos. Que lo hayan conseguido en su segundo álbum nos habla de una banda que que quema etapas a una velocidad sólo soñada por la mayoría de bandas. De cabeza a lo mejor de 2011.

NOTA: 9,75/10

BUY IT!!!

MYSPACE

CERRADO POR VACACIONES!!

2011-09-08T00:33:00.000+02:00

Como lo leéis. Hasta los dioses cósmicos y de insondable poder sufren estrés laboral, y nada mejor para solucionarlo que una escapada al lejano Oriente. Con dolor en el corazón he de abandonar mis obligaciones bloggeras para lanzarme a la aventura por tierras chinas. Bueno no, la verdad que no me duele en el corazón, que llevo un año planeándolo,jajaja. Pues eso, que me guardéis bien R'Lyeh, no montéis fiestas y secadme los cactus cada dos días, que son muy delicados. Espero que paséis un buen mes, y en Octubre nos vemos de nuevo!!

Con odio insondable,

Cthulhu

SKRAECKOEDLAN - Äppelträdet (2011)

2011-09-07T14:36:00.000+02:00

(click en la portada para descargar)

A pocas horas para largarme de vacaciones, no podía resistirme a reseñar uno de los álbumes que mejor me lo ha hecho pasar este Verano. Desde Suecia (otra vez, y van…) nos llega el debut de esta jovencísima banda formada en 2009. Bajo la bandera de Transubstans Records (vaya catálogo el de estos señores!), presentaron su primer disco a mediados de Junio, y las alabanzas a su grueso stoner metalizado no tardaron en llegar. Cantando en su idioma y eligiendo un impronunciable nombre para cualquiera que no sea sueco, el cuarteto deja claro que no se casan absolutamente con nadie, algo de alabar en este mundo bajo el rodillo anglosajón.

El nombre de la banda, traducido al castellano paladín, vendría a ser algo así como terrible lagarto o dinosaurio, lo que viene que ni pintado a la música de estos angelitos. Y es que la colección de ciclópeos riffs que se gastan es lo más cercano a una estampida de esos seres que se puede escuchar hoy día. Comparados con los primeros Mastodon por mucha gente, en mi opinión sólo comparten con los estadounidenses ese poderoso músculo metálico que exhiben cuando se lanzan al galope, porque en lo demás Skraeckoedlan se decantan por una propuesta que exhibe un stoner de elevado octanaje. Con pelotas, vamos. No esperes escuchar nada novedoso, pero sí una colección de canciones incontestable, con un gancho espectacular, y en el que estos chavales demuestran una maestría pasmosa a la hora de conjugar riffs gordos como cabezas de enano con unas melodías irresistibles. En muchos momentos se asemejan también a Dozer, aunque ningún disco de éstos me ha hecho mover las greñas como Äppelträdet, he de decir. Creo que el grupo más similar a los suecos son los también grandes Red Fang, por ese sonido a medio camino entre el metal y el rock. Tampoco hacen ascos a coquetear con las progresiones, pero en líneas generales estamos ante un álbum hecho para avasallar, directo y rápido como un puñetazo en plena cara. Como si de unos AC/DC del stoner se tratase, sus canciones no difieren mucho entre ellas, pero cada una es un hit en potencia, y es muy difícil que tu cuello o tus pies paren de moverse a lo largo de los casi 45 minutos de duración del álbum. Misiles como Världarnas Fall, Äppelträdet, Haven o Cactus deberían entrar en la categoría de armas de destrucción masiva por lo demoledor de sus riffs y lo contagioso de su carga viral en forma de melodías redondas. La verdad que poco más se puede decir de un artefacto de estas características. A mi me ha hecho descoyuntarme, sonreír, alzar los puños al cielo. No le podría pedir más a un disco de rock. Como he leído por ahí, Skraeckoedlan no han inventado la rueda, pero por Satán que la hacen girar como pocos!

Los dinosaurios no se extinguieron, viven en Suecia. Äppelträdet es uno de los debuts más redondos del año, y coloca a Skraeckoedlan como una de las bandas más prometedoras dentro del stoner. Prepara tus cervicales, porque estos saurios no hacen prisioneros.

NOTA: 8,75/10

BUY IT!!!

MYSPACE